Che il giovane pianista Rodolfo Leone (classe 1991) abbia vinto  il secondo premio al Busoni 2013 e non il primo (non aggiudicato) appare del tutto giustificato. Il pianismo di Leone è di ottima qualità ma non eccelsa (almeno finora). Nel concerto tenuto presso l’accademia filarmonica di Bologna ha spaziato dalla fine ‘700 (Haydn – variazioni in fa minore) fino al primo ‘900 (Ravel – Gaspard de la nuit) passando per Beethoven (op. 101) e Debussy (Images primo libro). Dotato di una solida tecnica (messa a dura prova nel difficilissimo brano di Ravel) è risultato non esaltante nell’aspetto interpretativo, per un tocco piuttosto secco e la carenza di piani soprattutto nella partitura di Debussy. Volendo utilizzare una perifrasi si potrebbe affermare che il pianismo è di Leone è piuttosto “teutonico” nel senso di una robustezza che sconfina talvolta nella inespressività.  Le variazioni di Haydn sono state eseguite “con cautela” con un approccio quasi timoroso forse in parte legato al timore dell’audience. Nella sonata op. 101 è mancata l’espressività insita soprattutto nelle prime frasi di apertura e le images di Debussy hanno staccato un tempo troppo lento nel primo movimento: l’intero brano è risultato carente di quelle sonorità liquide che sono la cifra caratteristica del compositore francese. Ovviamente le capacità tecniche sono state esaltate dal brano di Ravel nel quale però l’aspetto virtuosistico ha preso il sopravvento rispetto alle sfumature che pure ci sono, persino nel finale di Scarbo. A parziale discolpa delle carenze sottolineate va ricordato che il piano dell’accademia (tre quarti di coda) è tutt’altro che eccezionale (anche per un ben noto problema di scappamenti) e che la sala non sempre offre quella acustica che sarebbe auspicabile. Leone è un pianista dotato e certamente di ottima qualità che ha ampio spazio di miglioramento davanti a sé e che vorremmo riascoltare fra qualche anno in un contesto più favorevole.

 

Una serata dedicata ancora una volta ai tre compositori polacchi più importanti: Szimanowky, Lutoslawsky,  Chopin con l’aggiunta di compositore quasi sconosciuto……. del quale sono stati presentati di “vocalises”. Di Chopin sono stati eseguiti (solo purtroppo) due Lieder op. 74, composizioni dell’ultimissima parte della vita del compositore di Żelazowa Wola quasi sempre dimenticate dalle Liederabende  nonostante che – seppure chiaramente legate al crepuscolo compositivo – gettino un’interessante luce su un protagonista della vita musicale dell’800 che, abbandonata la dimensione eroica che tanti suoi brani sottende, ritorna alla sua matrice culturale polacca, quasi come una sorta di ritorno in patria prima dell’ultimo viaggio. Composizioni minori su testi francamente di infimo livello ma non meno interessanti, almeno dal punto di vista storico. Quanto a Szimanowsky e Lutoslawky i Lieder eseguiti hanno completato la presentazione del quadro compositivo che ha fatto da cornice a questa ultima serie dei concerti di musica insieme: brani interessanti ma non eccezionali che eseguiti unitamente alle composizioni chopiniane indicano con chiarezza la comune matrice culturale e i legami di discendenza che li uniscono, Due parole sugli esecutori. Ho già avuto modo di esprimere il mio dissenso per in concerti “misti” ovvero quelli nei quali la formazione sul palco si modifica (ovviamente non è il caso dei quartetti e dei quintetti) affidando a uno strumento considerato meno importante una sorta di “contentino” di cui non si sente assolutamente il bisogno.  Qui il pianista Filippo Faes ha eseguito 6 mazurke di Szimanowsky con una certa maestria che ne ha reso appieno il significato musicale. Una prestazione invece diseguale della soprano polacca Joanna Klisowska che mentre ha potuto pronunciare con perfetto accento le poesie dei di tutti gli autori in programma, ha esibito un ottimo registro intermedio e acuto ma anche una non secondaria afonia nel registro basso. Che cosa c’entri con il repertorio polacco il Lied “Röslein” di Schubert eseguito come bis è poi un mistero. Non era possibile e molto più significativo eseguire un altro Lied di Chopin? Un concerto interessante, non esaltante.

 

 

 

La serie dedicata ai compositori polacchi si è arricchita di un concerto dedicato al duo violoncello-pianoforte Fiorentini Tchorzewski . Il programma comprendeva nelle prima parte un’opera giovanile di Szymanowksi (trascritta dal violino per il violoncello), un brevissimo brano per violoncello solo di LutosŁawski e la Canzona op.56 di Meyer. Nella seconda parte l’ultima composizione di Chopin, la sonata in sol minore op. 65 (l’ultima sua grande composizione della quale – già malato – eseguì solo il primo tempo) e un bis di Saint-Saëns. Un concerto di grande interesse che ha messo confronto due scuole della stessa origine anche se nel caso di Chopin l’influsso francese è fortemente percepibile. Molto interessante è la sonata di Szimanowski fortemente influenzata ancora sia dalle strutture che dalle armonie del tardo romanticismo ma con una ben definita rielaborazione personale che prelude agli sviluppi successivi del grande compositore polacco.  Molto particolare il “cammeo” di LutosŁawski per violoncello solo anche se per la sua brevità (5 minuti) difficile da valutare.  Da segnalare nella Canzona di Meyer il richiamo Mozartiano esplicitamente richiesto dal committente. La sonata di Chopin è a giudizio di chi scrive il gioiello più maturo del suo percorso compositivo che riprende un accoppiamento strumentale affrontato solo nelle primissime composizioni (si veda ad esempio la virtuosistica Introduzione e Polacca brillante per violoncello e pianoforte op.3 ).  La struttura riflette quella della sonata per pianoforte op. 58, con lo scherzo che precede un intensissimo seppur breve andante e un finale travolgente. Il duo ha colto in generale lo spirito delle composizioni eseguite anche se con risultati alterni. L’inizio della sonata di Szimanowski ha risentito di alcune imperfezioni di intonazione del violoncello (che però ha migliorato la sua prestazione nel corso del concerto) mentre la precisione un po’ troppo fredda del pianista ha ridotto, specialmente nel caso della composizione chopiniana, un po’ dell’espressività del brano. Un concerto comunque interessante e che ha contribuito a una maggiore conoscenza di un repertorio poco praticato al di fuori della Polonia. Unica nota negativa l’acustica sventurata dell’oratorio di S. Filippo Neri il cui riverbero è insopportabile quando il volume è medio-alto e che impedisce, se non alle prime file, di comprendere quanto pronunciato sul palco (anche questa volta purtroppo non si è rinunciato a un innecessario e modesto pistolotto iniziale da parte del violoncellista). 

La giovane pianista (che fa parte della scuderia di giovani interpreti dell’accademia di Imola)  ha eseguito le variazioni su un tema di Händel e i pezzi op. 76 di Brahms. Al di là di una serie assolutamente impressionante di strafalcioni anche in brani tecnicamente non complessi (per non parlare di quelli più tecnicamente impegnativi soprattutto nell’op. 76) quello che impressiona è che Brahms venga considerato un autore nell’eseguire il quale i tempi possano essere costantemente strattonati, anche all’interno della stessa frase melodica, con “rubati” (meglio “scippati”) che neppure Alfred Cortot avrebbe azzardato. Brahms, come noto, è autore che si inserisce in un filone classico della musica ottocentesca (in antitesi, ad esempio, a Wagner) e come tale le sue composizioni sono caratterizzate da un rigore strutturale e armonico che in alcuni casi si rifa a una impostazione contrappuntistica e a composizioni del passato (si pensi alla passacaglia della quarta sinfonia, alle variazioni su un tema di Haydn – corale di S.Antonio – e all’uso della fuga nelle variazioni Händel). Nell’esecuzione di Gile Bae tutto questo viene costantemente trascurato in nome di una libertà (meglio arbitrarietà) esecutiva (spesso dettata da una tecnica assolutamente non adeguata) persino nella fuga finale della variazioni che finisce con lo snaturare totalmente il significato musicale dei brani eseguiti. Par dessus le marché Gile Bae utilizza abbellimenti assolutamente non previsti da Brahms e fa un utilizzo smodato del pedale nel tentativo di coprire i propri errori tecnici. Perché poi due bis scarlattiani (oggettivamente assai meglio eseguiti del repertorio Brahmsiano ma anch’essi non immacolati per la scelta di tempi eccessivi) in un programma dedicato a Brahms è difficile da capire. Un pomeriggio da dimenticare e una giovane cui consigliamo una adeguato periodo di studio e di approfondimento prima di esibirsi nuovamente in pubblico (almeno con questo repertorio).

 

 

Dopo il blackout quasi completo di due mesi per la musica classica, si riapre la stagione con il concerto dell’affermato Pietro de Maria per il Bologna Festival (quasi ignorato dall’edizione locale di Repubblica) con un programma di grande interesse, incentrato su una selezione di studi per il pianoforte di autori polacchi che spazia da Chopin a Lutoslawski a Szymanowski. Gli studi hanno cessato di essere strumenti didattici dopo Debussy per diventare brani brevi, spesso di grande difficoltà ma non specificamente rivolti alla soluzione di problemi tecnici: peraltro vi sono esempi di questa tendenza anche nel tardo romanticismo, ad esempio con Liszt. L’esecuzione dei brani dei due compositori novecenteschi polacchi è stata caratterizzata da grande aggressività tecnica trascurando però quegli aspetti di novità musicale che distinguono, ad esempio, le due preziose opere di Lutoslawski rendendo insomma  gli studi .. dei puri e semplici “studi” tecnici. Lo stesso discorso vale per l’interpretazione degli studi op 10 di Chopin. L’esasperata ricerca della velocità ha snaturato spesso la trama musicale e ha portato a imperfezioni (ad esempio nel difficilissimo studio in do maggiore di arpeggi spezzati n.1) che un uso smodato del pedale non è stato in grado di nascondere. Un discorso analogo vale per la parte finale dello studio n.10 dopo la ripresa dove le due seste – difficilissime – all’acuto sono state affrontate con un “rallentando” che non è certamente nelle indicazioni Chopiniane. Insomma una resa degli eseguitissimi studi op. 10 certamente non memorabile. E’ poi del tutto singolare la scelta erratica dei bis. Cosa c’entrano, in una serata dedicata agli studi, con tante opportunità del repertorio (ad esempio i bellissimi studi di Ligeti per non parlare di Liszt), il secondo intermezzo  op. 117 di Brahms ( “espressione del mio profondo dolore” come scrisse l’autore – eseguito con un languore e con intemperanze ritmiche  fuori stile), il secondo scherzo di Chopin (velocità strappa-applausi a scapito del contenuto musicale) e addirittura, come finale, il primo preludio del primo libro del Wohltemperiertes Klavier di Bach in versione romanticheggiante con profusione di pedale? L’intelligenza di un esecutore si misura anche nella composizione dei programmi e in questo De Maria avrebbe molto da imparare da Pollini, da Schiff, da Zimerman….

PS Nel pistolotto innecessario che ha preceduto il concerto ho scoperto che Chopin è un autore “progressivo” (sic).  Alla stregua delle tasse o delle lenti?

La distanza in termini orari fra Milano e Torino è la medesima che esiste fra Bologna e Milano ma in termini musicali le due città sembrano più distanti da Bologna della luna. Nella prima quindicina di Settembre, quando i programmi musicali delle varie associazioni locali non sono ancora decollati, le due città organizzano il Mi-To, una rassegna musicale con prezzi bassi che vede fino a tre manifestazioni al giorno nell’ambito delle quali si esibiscono artisti di fama e giovani promesse con programmi che vanno dal classico al moderno secondo una impostazione logica e coerente. Le due città propongono al 90% le stesse manifestazioni a distanza di uno o due giorni con il vantaggio di una riduzione dei costi complessivi visto che gli artisti non debbono sostenere le spese di costosi viaggi. Quest’anno il titolo indicativo è “Aimez-vous Brahms?” che propone l’integrale del repertorio pianistico del compositore amburghese affidato a giovani pianisti che si esibiscono di pomeriggio con il costo del biglietto a 5 (cinque!) euro, oltre che le 4 sinfonie etc. Naturalmente vi sono anche manifestazioni con affermati artisti (ad esempio Marta Argerich a Milano) ma sempre con costi contenuti (35-50€). Ci sarebbe da chiedersi perché nessuno ha mai ipotizzato una estensione del festival (almeno in parte) a Bologna, visto che dall’inizio di Settembre al 15 dello stesso mese la città petroniana è caratterizzata dal vuoto pneumatico in materia di musica, mentre le ferie sono finite e la città gode di un turismo in espansione. Sarebbe questo un modo per incrementare – ad esempio – l’utilizzazione del teatro comunale (un gioiello architettonico e acustico), nel quale oltre la sala principale vi sono anche i ridotti fruibili e che rimane chiuso per oltre il 60% delle serate disponibili mentre i costi corrono regolarmente.  Purtroppo questo rientra nella gestione certamente non positiva del teatro che non è stato ancora in grado di approvare il nuovo statuto previsto dal decreto Bray (emendato Franceschini), di nominare il comitato di indirizzo e di organizzare una decente manifestazione di interesse da parte di potenziali sovrintendenti (terminando Ernani alla fine di Dicembre comunque il suo mandato). La nomina del sovrintendente (ufficialmente di pertinenza ministeriale ma ovviamente con il suggerimento degli amministratori locali) è materia che dovrebbe essere analizzata accuratamente a fronte di precisi programmi degli aspiranti e non una sorta di successione dinastica cui assistere passivamente, organizzata tramite una ben calcolata campagna di stampa.  È certamente vero che il bacino di utenza bolognese è più ridotto e naturalmente nessuno si illude che allargare Mi-To a Bologna sia una impresa semplice ma manca un anno alla prossima edizione: possibile che non si possa almeno verificarne la fattibilità mediante un progetto culturale ed economico adeguato?

 

Non si è trattato di un concerto di  ma della presentazione del suo libro “La musica dell’occidente” un titolo molti impegnativo per qualunque musicologo e che invece si riduce a un elenco dei brani preferiti dal nostro dei compositori più noti (Monteverdi, Bach, Beethoven, Tschaikovskij, Mahler etc.). Per i fans di Barahmi certamente una testimonianza interessante e poco impegnativa che però molto probabilmente non lascerà traccia nei testi sacri della musicologia. In una sala assai gremita per i numeri del Festival Ciani il nostro viene introdotto dal direttore musicale di Vattelapesca che oltre ad avere sfogliato il libro qualche minuto prima dell’intervista commette l’errore più marchiano per un moderatore ovvero “confessa” che ritiene Barahmi il più grande interprete vivente di Bach (con buona pace – ad esempio – di Angela Hewitt, Andras Schiff etc.): nessuna motivazione critica viene fornita dal nostro Carneade.  A Barahmi, al di là del valore discutibile del libro, probabilmente un abile sfruttamento della sua popolarità televisiva, va riconosciuta una notevole proprietà di linguaggio e anche un’abilità nell’intrattenere il pubblico non comune per un artista del pianoforte. Naturalmente molte delle sue affermazioni sono discutibili: indicare Monteverdi come il fondatore dell’opera moderna quando il “recitar cantando” è solo un accoppiamento forzoso di musica e poesia (e Gluck – dimenticato da Barahmi – dove lo mettiamo?), oppure vedere nello stesso Monteverdi un precursore del cromatismo di Wagner quando i presupposti sono lontani anni luce oppure ritenere che nella prima sinfonia di Mahler si trovino brani “kletzmer” sono tutte affermazioni che possono soddisfare un pubblico di bocca buona ma certamente potrebbero fare inorridire i musicologi. Ma tant’è: a coloro cui le apparizioni televisive di Barahmi (che non riesce comunque a entrare nel Gotha dei grandi pianisti anche a causa della sua monocultura bachiana) sono piaciute, il libro potrà interessare. Ma le confessioni musicali di un singolo difficilmente lasceranno il segno. L’intervista è stata anche arricchita da alcune interpretazioni al pianoforte: la prima partita di Bach, alcuni brani trascritti della prima sinfonia di Mahler e il tema delle variazioni Goldberg. Una buona interpretazione nella quale qualche imprecisione si poteva evitare. Grande successo di pubblico.

 

Difficile esprimere il disappunto di chi ha seguito fin dall’ inizio la manifestazione. Il festival ha subito negli anni un progressivo degrado a partire da un inizio di grande classe, con Marta Argerich (innamoratasi di Cortina fino a estendere la sua permanenza), con grandi interpreti, con il teatro pieno in ogni ordine di posti e i biglietti a ruba. Poi nel tempo il calo degli spettatori, la sala ridotta a metà (e neppure in questo caso piena) per evitare l’immagine desolante di un pubblico inesistente, la qualità sempre calante degli interpreti fino alla triste conclusione questo anno; una serie di piccoli concerti tenuti per lo più dagli allievi dell”accademia” (non sempre di grande qualità) con risultati facilmente prevedibili. Il tutto è il risultato di una gestione sventurata, incapace di promuovere adeguatamente l’interesse del potenziale pubblico (che non può essere svanito) negli alberghi, nei paesi vicini etc. Un piccolo esempio della disorganizzazione? Fin dall’inizio del festival mi sono iscritto alla mailing list ma nonostante avere rinnovato ogni anno pazientemente la mia iscrizione non sono mai stato raggiunto da alcuna informazione: può bastare?

Come spettatore interessato alle sorti del nostro teatro sarei molto curioso di avere risposte chiare su alcuni temi non secondari in vista dei cambiamenti organizzativi in corso, dei quali si hanno scarse e frammentarie notizie dagli organi di stampa. In primo luogo il rapporto fra teatro Comunale e teatro Manzoni: per quale motivo il teatro Comunale cede al Manzoni una larga parte delle manifestazioni che potrebbero a ragione essere ospitate dal Comunale (Musica Insieme, Stagione sinfonica, Grandi Interpreti, Orchestra Mozart – fino a che è esistita, etc.) lasciando il teatro (uno dei più belli di Italia) inutilizzato per tante serate mentre i costi del personale continuano a correre e – almeno da quanto si sa – la società che ha in affitto il Manzoni non paga regolarmente l’affitto della sala? Il nuovo statuto prevede l’esclusione dal consiglio di indirizzo dei soggetti gravati da oggettivi conflitti di interesse come nella passata gestione? Per quanto attiene al nuovo sovrintendente, fermo restando che la sua nomina è di competenza del ministro, è stata prevista una richiesta di manifestazione di interesse in modo da formare una rosa nell’ambito della quale il ministro possa effettuare la sua scelta? Il sindaco, presidente per legge del consiglio di indirizzo, intende mantenere la sua carica o – come prevede la legge – intende nominare un suo delegato e in caso positivo chi e quando? Potrei continuare ma credo che una risposta a questi punti potrebbe soddisfare la legittima curiosità di coloro che hanno a cuore il futuro del nostro teatro cittadino. 

 

Reduce dalla vittoria nel 2012 nell’importante (ma in Italia poco noto) concorso Honens di Calgary il roccioso pianista Pavel Kolesnikov ha debuttato a Bologna nell’ambito della rassegna “pianofortissimo”. Il contesto (il portico del cortile dell’Archiginnasio) non è quello forse più favorevole a una esecuzione raccolta e non ha probabilmente favorito il giovane esecutore che si è impegnato in un programma che ha spaziato da Beethoven a Skrjabin passando per Schubert e Schumann senza trascurare Chopin nei due bis concessi a un pubblico quanto mai poco educato, specialmente al termine dell’esecuzione. L’impressione ricevuta fin dal primo momento (iniziare con la difficilissima sonata “Al chiaro di luna” beethoveniana è un azzardo che solo la spensieratezza e forse un po’ la sopravalutazione dei propri mezzi di un giovane può giustificare) è quella di un pianista per il quale le sfumature, i piani e i mezzopiani, insomma tutte le “nuances” così importanti per quella sonata sono parzialmente trascurate a favore di un impianto più granitico che ricorda per certi aspetti quello del compianto Emil Gilels o del suo compatriota Svjatoslav Richter.  Naturalmente una esecuzione di buona qualità ma c’è ancora molta strada per raggiungere la pienezza interpretativa di un Brendel o di uno Schiff. E non va dimenticato che ormai vi sono esecutori che già in età assai giovanile raggiungono una grande maturità interpretativa: si pensi a Blechaz, Trifonov, Yuja Wang etc. (Per inciso suggerisco di ascoltare su Youtube il primo concerto di Chopin registrato da Kissin a 12 dodici anni: roba da non credere!).  Le stesse considerazioni si possono utilizzare per i Moments Musicaux di Schubert e i giustamente dimenticati dalla storia musicale e poco interessanti Nachtstücke di Schumann. (Va bene che i brani dei grandi compositori sono spesso caratterizzati da alti e bassi di interesse ma anche il “bonus” Schumann “quandoque dormitat”. Perché piuttosto non rivalutare allora le dimenticate e bellissime “Novellettes”?). Di grande qualità l’esecuzione dei brani di Skrjabin anche perché supportati da una tecnica di altissima qualità (non trascendentale però). Un discorso a parte per i bis chopiniani. Mentre l’esecuzione del notturno è stata all’altezza delle aspettative altrettanto non si può assolutamente dire della mazurka che ha chiuso il concerto. Qui è mancato totalmente lo spirito della composizione trasformata sventuratamente in un valzerino insignificante. La mazurka eseguita è quella nella quale per ben 4 volte si ripete lo stesso piccolo gruppo di note, ciascuno con un proprio diverso significato-  come benissimo messo in luce da Alfred Cortot (un pianista che predicava benissimo ma spesso razzolava male) nella sua revisione critica dei brani del compositore di Żelazowa Wola – ripetute in modo insignificante e a una velocità assolutamente fuori stile. Un vero peccato, forse dettato dalla fretta di concludere il concerto con tutto il pubblico sul piede di partenza, ma un finale non degno di un concerto comunque di buon livello. 

 

 

Fermo restando che la polemica di Pereira contro i “buu” è assolutamente fuori luogo (in tutti i teatri viene utilizzato, compreso il compassato Bayreuth dove uno sciagurato regista del Ring fu giustamente costretto a scomparire rapidamente dietro il sipario – insomma se giustificato,”quando ce vo’, ce vo’ “) c’è veramente da chiedersi se i loggionisti “vil razza dannata” capiscono qualcosa ad esclusione di Verdi (forse) e del repertorio belcantistico italiano. Alla prima del “Così fan Tutte” del 19 Giugno una salva di “shh” ha tacitato gli applausi della superba (ripeto superba) interpretazione  dell’aria di Fiordiligi “Come immoto scoglio” del soprano Maria Bengsston, una Fiordiligi che ha nelle sue corde da un meraviglioso pianissimo flautato degli acuti espresso nell’ultima grande aria prima del cedimento finale, ai toni intermedi dei recitativi e delle altre arie. E che dire del silenzio dopo il terzetto perfetto “Soave sia il vento” accolto con un gelido silenzio dal loggione e da un pubblico per lo più di turisti pellegrini la cui competenza ovviamente rasenta il nulla ansiosi solo di arrivare all’intervallo per gli aspetti mondani? Purtroppo questa ignoranza del grandissimo repertorio mitteleuropeo (si pensi anche alla incompetenza su Wagner) rende i loggionisti provincialissimi incompetenti capaci di rovinare anche le migliori esecuzioni: e se provassero a “educarsi”musicalmente un po’?

Complice una sventurata acustica dell’oratorio di S.Filippo Neri (ma non sarebbe possibile cercare di inserire dei “dampers” per abbassare l’intollerabile livello del riverbero che falsa qualsiasi esecuzione?) la performance del giovane quartetto Guadagnini è stata lungi dall’essere memorabile. In primo luogo l’impasto sonoro è risultato grezzo e talvolta stridente, prova di un’insufficiente amalgama degli esecutori; i tempi staccati negli “allegri” e assimilati sono stati poi innecessariamente precipitati (ad esempio nel quartetto op. 95  di Beethoven, così importante collocandosi fra le sonate op.90 e op.101, insomma nel periodo più pregnante di transizione del compositore di Bonn) e da ultimo la viola anche in parti di puro accompagnamento (ad esempio arpeggi ripetuti) cerca di produrre un esuberante  volume di suono quasi nel timore che il suo ruolo sia sottovalutato.  Insomma non un quartetto ma un ensemble di quattro strumenti che hanno ancora parecchia strada da compiere per trasformarsi in quartetto nel senso compiuto della parola. Di tutto il programma eseguito si è forse salvata solo l’esecuzione del quartetto di Haydn: non di eccelso livello ma almeno accettabile.