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Spostamento concerto Zhang Messa – Bologna Pianofortissimo e Talenti dal3 Luglio al 14 Luglio 2026


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Il concerto in questione è stato spostato dal Bologna Festival per “cause di forza maggiore” (situazione meteorologica in Cina) al giorno successivo senza rimborso. Chi come il sottoscritto non può partecipare al concerto di fatto perde il costo del biglietto. Ora è del tutto implausibile che  dalla Cina non si riesca a raggiungere l’Italia IN 4 GIORNI.  La “causa maggiore”  sarebbe stata plausibile domenica e non oggi 10 Luglio. Come minimo se si voleva evitare il rimborso doveva essere essere emesso un “bonus” da utilizzare in seguito. Un comportamento poco serio da stigmatizzare senza alcun incertezze.

 

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Maya Oganyan – Bologna Pianofortissimo e Talenti 9 Luglio 2026


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Possiamo certamente dire,
               che si è trattato di un concerto interessante di una giovanissima interprete e con un programma certamente ritagliato sulle sue caratteristiche precipue. Parlo di Scrjabin nell’interpreazione dei tre brani del quale ha dato il meglio di sé. Ottima tecnica, capacità di interpretare la poetica del compositore russo, esuberanza giovanile che nel caso specifico assume un connotato positivo. Scrjabin è un compositore “fuori dal coro” del suo tempo che non fa riferimento né alle avanguardie né al conservatorismo in un periodo a cavallo dei due secoli culturalmente molto ricco ma anche molto controverso.  Oganyan ha trovato la cifra giusta per rendere appieno il suo spirito  forse anche per la sua estrazione culturale russa.  Il concerto ha visto anche tre brani di Chopin con risultati alternanti. Buona l’interpretazione dello scherzo e della fantasia (che ha certamente risentito molto dei consigli dei suoi attuali mentori) mentre il notturno è risultato sfigurato da un eccesso di velocità e sonorità trasformando il “notturno” in un rumoroso  “diurno”. Giovanile eccesso? Forse ma il processo di studio e maturazione deve imporre una maggiore consapevolezza della tipologia del brano eseguito. Il concerto è iniziato con tre preludi e la famosa “L’ Isle joyeuse” di Debussy. Mentre i preludi sono stati eseguiti in modo più che accettabile (ma la ricerca delle sonorità equoree del compositore francese ha ancora molta strada da percorrere) l’Isle è stata eseguita in modo del tutto inaccettabile. Si tratta di un brano del tutto particolare che si inquadra con difficoltà nel percorso culturale del compositore francese. Qui l’eccesso di velocità (si pensi solo agli episodi con la ritmica puntata), le sonorità rutilanti e la galoppata musicale nulla hanno a che vedere con Debussy per il quale è sempre necessario ricordare il contesto culturale e la specifica sensibilità. Non è un brano facile in cui trovare il giusto equilibrio ma nel caso della Oganyan siamo completamente fuori. Buon successo di pubblico che nei tre brani di Chopin ha applaudito dopo lo scherzo e la fantasia e non si è accorto della fine del notturno: scatta l’applauso solo dopo un brano forte e veloce. Senza commenti. Buon successo e due bis. 
Programma
    • Claude Debussy La fille aux cheveux de lin / Ondine / La cathédrale engloutie dai Préludes, Livre I, Livre II
    • Claude Debussy L’isle joyeuse
    • Aleksandr Skrjabin Sonata n.2 in sol diesis minore op.19 “Sonate-fantaisie”
    • Aleksandr Skrjabin Poème op.32 n.1
    • Aleksandr Skrjabin Sonata n.9 op.68 “Messe noire”
    • Fryderyk Chopin Scherzo n.3 in do diesis minore op.39/ Notturno op.48 n.1/ Fantasia op. 49
  •  
Happy

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We can certainly say that this was an interesting concert by a very young performer, with a programme clearly tailored to her specific sensibility. I am referring to Scrjabin: in the three pieces she offered the very best of herself. Excellent technique, an ability to convey the composer’s poetic world, and a youthful exuberance which, in this case, takes on a positive connotation. Scrjabin is a composer “outside the mainstream” of his time, one who aligns neither with the avant‑garde nor with conservatism in a culturally rich yet highly controversial period straddling two centuries. Oganyan found exactly the right approach to fully capture his spirit, perhaps also thanks to her own Russian cultural background.The concert also included three works by Chopin, with different results. The performance of the Scherzo and the Fantaisie was good (and clearly benefited from the advices of her current mentors), whereas the Nocturne was disfigured by excessive speed and sonority, turning the “nocturne” into a noisy “diurnal”. A youthful excess? Perhaps — but the process of study and maturation must lead to greater awareness of the nature of the piece being performed.The concert opened with three Debussy’s Preludes and the famous Isle joyeuse. While the Preludes were played more than acceptably (though the search for Debussy’s aqueous sonorities still has a long way to go), the Isle joyeuse was performed in a wholly unacceptable manner. It is a very particular piece, difficult to place within the French composer’s cultural trajectory. Here, the excessive speed (one need only think of the dotted‑rhythm passages), the glittering sonorities, and the headlong musical gallop have nothing to do with Debussy,  for whom the cultural context and specific sensitivity must always be kept in mind. It is not an easy piece in which to find the right balance, but in Oganyan’s case we are completely off track.The audience response was positive, though in the three Chopin pieces they applauded after the Scherzo and the Fantasie and did not realise the Nocturne had ended: applause only comes after a loud,  fast piece. No comment. A good success overall, with two encores.
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Trio RInaldo – Bologna Pianofortissimo e Talenti 6 Luglio 2026


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E’ un vero piacere…
…..ascoltare un giovane ed entusiasta trio che pur negli inevitabili limiti giovanili dimostra di essere avviato su un percorso di qualità.  La scelta del programma è certamente particolare. Dedicare un intero concerto a Dvořák è singolare e forse non felice perché non permette di formulare un giudizio più ampiamente compiuto come sarebbe auspicabile per una formazione agli inizi della carriera. Ma ci sono elementi molto positivi. In primo luogo il bilanciamento delle sonorità. Siamo purtroppo abituati, quando il pianoforte è coinvolto, a sonorità sovrastanti dello strumento. Non è questo il caso: Lorenzo Rossi ha saputo dosare opportunamente il volume di suono dello strumento a percussione per permettere una buon amalgama del complesso. Certamente fra i tre strumentisti emerge il violoncello di Rebecca Ciogli capace di estrarre dallo strumento un suono pieno e sempre perfettamente intonato. La sua esuberanza trascina l’intero complesso dando al complesso quella vitalità che ne è la cifra interpetativa più positiva.  E’ questo un complesso che auspichiamo possa essere riascoltato (magari includendo Beethoven e Schubert, per fare un esempio) per valutarne la maturazione. Comunque un concerto interessante giustamente premiato dal non foltissimo pubblico terminato con un bis. Sarei comunque curioso di sapere a cosa si deve il nome “Rinaldo” del trio….
Programma
  • Antonín Dvořák Trio n.1 in si bemolle maggiore op.21
  • Antonín Dvořák Trio n.4 in mi minore op.90 “Dumky”

 

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It is a genuine pleasure to listen a young and enthusiastic trio that, despite the inevitable limitations of youth, clearly demonstrates that it is on a promising path toward artistic excellence. The choice of programme is certainly unusual. Dedicating an entire concert to Dvořák is distinctive, though perhaps not the happiest decision, as it does not allow for a more comprehensive assessment of an ensemble at the beginning of its career, something that would have been desirable. Nevertheless, there are many positive aspects. First and foremost is the balance of sound. All too often, when the piano is involved, we are accustomed to hearing it dominate the ensemble. That was not the case here: Lorenzo Rossi skilfully controlled the instrument’s dynamic range, allowing for an excellent blend among the three musicians. Among the performers, Rebecca Ciogli’s cello stands out in particular. She draws from her instrument a rich, warm tone that remains consistently and impeccably in tune. Her exuberance inspires the entire ensemble, giving it the vitality that is perhaps its most distinctive interpretative hallmark. This is a trio that one hopes to hear again—perhaps in a programme including Beethoven and Schubert, to name just two composers—in order to appreciate its artistic development. In any case, it was an engaging concert, rightly rewarded by the appreciative, if not particularly large, audience, and concluded with an encore. I would, however, be curious to know the origin of the trio’s name, “Rinaldo.
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Venere e Adone – Venezia La Fenice 26 Giugno 2026


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Ecco il caso…….
………….. di un ‘opera che non so recensire. Debbo confessare che credo che mi manchino gli strumenti interpretativi e quindi evito di addentrarmi in un terreno incognito, ammettendo la mia incompetenza.
Per questo motivo cedo il passo a chi ha magiore dimestichezza con questo autore: invito a leggere la seguente recensione di Carla Moreni sul Sole 24 ore di domenica o  https://www.giornaledellamusica.it/recensioni/a-venezia-va-in-scena-il-naufragio-di-un-mito 

Il mio unico contributo è che francamente l’opera non mi è piaciuta anche se sono rimasto fino alla fine a differenza di molti spettatori: quelli rimasti hanno tributato un caloroso applauso.

Spero di essere maggioremente in grado di rccensire i prossimi concerti o opere cui assisterò, scusandomi. 

PS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti. 

https://kurvenal.com/wp-content/uploads/2014/11/sad.jpg
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direttore Kent Nagano
regia Georges Delnon
scene Varvara Timofeeva
costumi Marie-Thérèse Jossen
light designer Carsten Sander
video designer Marcus Richardt
Orchestra del Teatro La Fenice
allestimento Hamburgische Staatsoper
con sopratitoli in italiano e in inglese
Cast
Amore Kady Evanyshyn
Venere Layla Claire
Adone Randall Scotting
Marte Matthias Klink
Vulcano Cody Quattlebaum
La fama Nicholas Mogg / Vera Talerko
Il mostro Evan Hughes
prologo ed epilogo
Livia Rado soprano
Francesca Gerbasi contralto
Paolo Mascari tenore
Francesco Milanese basso

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(Giovanni Neri –  80)

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PS. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background
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Uladzislau Khandohi – Bologna Pianofortissimo 22 Giugno 2026


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Un vecchio detto dei tennisti  ..
          ….. è “per vincere bisogna tirare forte e sulle righe”… La massima (trasformata) potrebbe essere applicata a Khandohi che suona quasi sempre forte e alla massima velocità. Fa parte di quei giovani muscolari che la musica non la eseguono ma la assaltano come un fortino da espugnare. OK: ma la musica, il suo significato, il suo valore artistico dove sono? E’ quello che si chiede chi ascolta Khandohi.  Inizia con un notturno chopiniano eseguito inizialmente a una lentezza esasperante ma dopo poche battute si scatena “lo spirto guerrier che entro gli rugge” (da Alfieri)  e il povero notturno è bombardato da sonorità del tutto eccessive che lo rendono un “diurno” (fragoroso).  Dello stesso autore la seconda sonata. Qui l’eccesso di velocità nel primo tempo sfigura il significato musicale del brano. Un po’ migliore il secondo tempo (ma sempre con gli stessi errori stilistici)  e  la marcia funebre. Non accettabile invece il tenebroso quarto tempo dove l’unisono delle due mani non trova l’equilibrio necessario. Il nostro si ascolti la registrazione di Benedetti Michelangeli per capire come andrebbe eseguito. Si passa a Liszt con le “reminiscences” di Norma. Forse una delle peggiori parafrasi Lisztiane di fatto incentrata quasi tutta sul finale dell’opera “Donna celeste” dimenticando l’aria più bella e famosa dell’opera “Casta diva”. L’approccio interpretativo non cambia. Ottave d’acciaio del pianista ma poco d’altro.  E lo stesso dicasi per la farraginosa sonata di Rachmaninov giustamente poco frequentata per la sua discontinuità (e francamente il Faust indicato dal compositore non è facile trovare).  Seguono i bis. Ne ho ascoltati solo i primi due, essendomi già fatto un’idea precisa dell’esecutore. Ma anche la scelta dei bis è indice dell’intelligenza di un pianista: non si possono eseguire solo brani virtuosistici (come la “Danse macabre”) e di notevole lunghezza (anche se non dimentico che nel 1979 Pollini a a Londra eseguì  integralmente come bis l’op. 81 di Beethoven “Les adieux” – ma era Pollini nel periodo del suo massimo splendore…..).  La ricerca di un facile successo presso un pubblico certamente poco smaliziato va a detrimento dell’intelligenza artistica di un esecutore (cui suggerirei anche una maggiore compostezza durante le esecuzioni). Il confronto con l’eccellente pianista che lo ha preceduto nella rassegna – Izik-Dzurko – sarebbe impietoso.  
Programma
  • Fryderyk Chopin Notturno in do minore op.48 n.1
  • Fryderyk Chopin Sonata n.2 in si bemolle minore op.35
  • Franz Liszt Réminiscences de Norma S. 394
  • Sergej Rachmaninov Sonata n.1 in re minore op.28
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An old saying among tennis players goes: “to win, you have to hit hard and on the lines.” The say (slightly adapted) could well apply to Khandohi, who plays almost always loudly and at maximum speed. He belongs to that group of muscular young performers who do not interpret music but rather assault it, as if it were a fortress to be conquered. Fine: but where are the music, its meaning, its artistic value? That is what anyone listening to Khandohi inevitably asks. The concert begins with a Chopin nocturne, initially taken at an exasperatingly slow tempo, but after just a few bars “the warrior spirit roaring within him” (to quote Alfieri) breaks loose, and the poor nocturne is bombarded with utterly excessive sonorities that turn it into a (thunderous) “diurnal.” From the same composer comes the Second Sonata. Here, the excessive speed in the first movement distorts the musical meaning of the piece. The second movement is somewhat better (though still marred by the same stylistic errors), as is the Funeral March. The fourth movement, however—dark and elusive by nature—is unacceptable: the unison between the two hands never finds the necessary balance. He should listen to Benedetti Michelangeli’s recording to understand how it ought to be played.We then move on to Liszt, with the Réminiscences of Norma. Perhaps one of Liszt’s least successful paraphrases, essentially focused almost entirely on the opera’s finale (“Donna celeste”), while forgetting its most beautiful and famous aria, Casta diva. The interpretative approach does not change. The pianist’s steel‑forged octaves are there—but little else.The same can be said of the convoluted Rachmaninov Sonata, rightly seldom performed because of its unevenness (and frankly, the Faust the composer claims to depict is not easy to discern). Then come the encores. I listened only to the first two, having already formed a clear idea of the performer. But even the choice of encores reveals a pianist’s intelligence: one cannot offer only virtuosic pieces (such as the Danse macabre) and of considerable length. Granted, I have not forgotten that in 1979 Pollini in London played Beethoven’s entire Op. 81 Les adieux as an encore—but that was Pollini at the height of his success). The pursuit of easy success with an undoubtedly unsophisticated audience comes at the expense of an artist’s intelligence (to whom I would also suggest greater composure during performances). The comparison with the excellent pianist who preceded him in the series — Izik‑Dzurko — would be merciless.
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Enrico di Borgogna – Venezia teatro Malibran 20 Giugno 2026


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Opera giovanile di Donizetti (e riesumata solo recentemente)…
          ….. mostra tutta l’inesperienza del giovane musicista alle prese con un libretto che forse voleva essere “serio” ma che presenta anche un carattere giocoso: in una delle sue figure forse voleva fare il verso a Leporello. Peraltro di citazioni è piena l’opera: in primis Rossini con due “crescendo” rossiniani nell’ouverture e nel primo atto, e il “cheti cheti” all’inizio del secondo atto, a Mayr, al teatro barocco con un protagonista maschile impersonato da una soprano etc. Non mancano però indicazioni di quelle che saranno in seguito le caratteristiche musicali delle opere donizzettiane. Insomma una sorta di “prova d’artista”  che non manca talvolta di una sua freschezza che ben si presta alla soluzione registica scelta.

Quello che forse nell’intento degli autori doveva essere un dramma serio è qui trasformato in una sorta di “opera buffa”anche  con l’artifizio ormai troppo sfruttato del “teatro nel teatro”. Tutti i personaggi si comportano come una parodia del teatro drammatico, nei gesti e nelle espressioni. La scelta registica è quella di mostrare anche il “retro” del teatrino con un regista che smania nel tentativo di imporre una sua visione ai vari cantanti e i cantanti stessi che baruffano, si preparano all’entrata in scena e in un caso amoreggiano.  Ma è una finzione che mostra rapidamente la corda con una sorta di ripetitività che finisce per annoiare anche se – ovviamente – è molto gradita da un pubblico non troppo smaliziato. 
Le voci non sono tutte all’altezza . Mentre un’ottima performance è quella di Dave Monaco come Guido (il “cattivo” di turno) e anche quella di Omar Montanari come Gilberto (il “Leporello” dell’opera), meno brillante è risultata la figura di Enrico, una Teresa Iervolino che è mancata in alcune delle arie principali. Lo stesso dicasi per Giuseppina Bridelli come Elisa. Tutti gli altri protagonisti hanno dimostrato una buona professionalità a parte Christian Collia come Pietro, la cui voce non ha mai raggiunto il livello della sufficienza.
Una buona prestazione del direttore Corrado Rovaris cui va imputato però un eccessivo ritmo che ha messo talvolta a dura prova i cantanti. Per il resto un’opera diventata buffa cui attribuire una risicata sufficienza. Ovviamente successo di pubblico. 
PS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti. 
Happy
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
direttore Corrado Rovaris
maestro del Coro Alfonso Caiani
regia Silvia Paoli
scene Andrea Belli
costumi Valeria Donata Bettella
light designer Fiammetta Baldiserri
Cast
Enrico, conte di Borgogna Teresa Iervolino
Pietro Christian Collia
Elisa Giuseppina Bridelli
Guido Dave Monaco
Gilberto Omar Montanari
Brunone Giuseppe Toia
Nicola Nicola Pamio
Geltrude Chiara Notarnicola

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An early work by Donizetti (and only recently revived), which clearly reveals the young composer’s inexperience in dealing with a libretto that perhaps was intended to be serious but also displays a playful side. One of the characters even seems to echo Leporello. In fact, the opera is full of references: first and foremost to Rossini, with two unmistakably Rossinian crescendos in the overture and the first act, as well as the “cheti cheti” passage at the beginning of the second act; there are also nods to Mayr, to Baroque theater with a male protagonist sung by a soprano, and more. At the same time, one can already detect musical traits that would later become characteristic of Donizetti’s mature operas. In short, it is something of an “artist’s apprenticeship piece,” one that at times possesses a freshness well suited to the directorial approach adopted here. What was perhaps intended by its creators as a serious drama is transformed here into a kind of opera buffa, also through the by-now overused device of “theater within the theater.” All the characters behave as parodies of dramatic theater, both in their gestures and expressions. The production choice is to expose the backstage of the little theater as well, featuring a director frantically trying to impose his vision on the singers, while the singers themselves quarrel, prepare for their entrances, and, in one case, engage in a flirtation. However, this conceit quickly begins to wear thin, resulting in a repetitiveness that ultimately becomes tiresome, even if it is, of course, greatly appreciated by a not overly discerning audience. The vocal performances were not uniformly strong. While Dave Monaco delivered an excellent performance as Guido (the opera’s villain), and Omar Montanari was equally convincing as Gilberto (the work’s “Leporello” figure), Teresa Iervolino’s Enrico was less successful, falling short in some of the principal arias. The same can be said of Giuseppina Bridelli as Elisa. All the other cast members displayed solid professionalism, with the exception of Christian Collia as Pietro, whose vocal performance never quite reached an acceptable standard.Conductor Corrado Rovaris led the performance effectively, although he can be faulted for adopting tempos that were at times excessively brisk, putting the singers under considerable strain. Overall, this is a serious opera turned comic, deserving no more than a modest passing grade. Unsurprisingly, it was a success with the audience.
PS. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background
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PS A “blogger” is not an oracle and inevitably makes errors (the minimum possible..). I often receive “corrections” not always fundamental and not always accurate. Just as I submit myself to the judgement of others with the name and surname so those who want to have the goodness to report errors or inaccuracies will have to do so only by sending a comment: everyone has his own responsibility.
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Jaeden Izik-Dzurko – Bologna Pianofortissimo 18 Giugno 2026


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Finalmente…
             ..un giovane che propone un concerto di altissima qualità.  Izik-Dzurko, reduce dalla vincita del Leeds 2024 (nel quale ha eseguito il secondo concerto di Brahms, uno dei brani solistici iù difficili del repertorio) ha dato prova delle sue capacità tecniche e interpretative in una esibizione che ha raccolto un meritato successo. Izik-Dzurko non cede alle lusinghe della sua tecnica eccellente ma domina sempre il brano eseguito dal punto di vista interpretativo. Se ne ha avuta una prova convincente ad esempio nell’esecuzione della fantasia schumanniana (un brano in un certo senso anomalo del compositore di Zwickau all’interno della sequenza di brani composti di piccole miniature) che nella sua forma quasi sonatistica (in tre tempi – seppure ben lontana dagli schemi classici) richiede maturazione e sensibilità. Izik-Dzurko ha l’intelligenza di fare “respirare” i brani eseguiti non rifuggendo anche da rallentati e pianissimi (talvolta un po’ eccessivi come nel finale del corale del brano di Franck – un’anomalia poco comprensibile ma perdonabile). Certamente dal concerto sono mancati alcuni dei grandi nomi della composizione: Chopin, Beethoven e Brahms) e per questo speriamo di poterlo riascoltare quanto prima. Sensibilità post-romantica in Skryabin e Rachmaninoff e una grande capacità di dominare una composizione dai toni organistici, come nel caso di Franck, riesumando una composizione che ha avuto un grande succcsso negli anni passati ma che è stata piuttosto colpevolmente dimenticata recentemente (a differenza di altre composizioni del compositore belga come la sonata per violino e pianoforte).  L’intelligenza pianistica di Izik-Dzurko si è manifestata anche nei due bis concessi, due composizioni virtuosistiche di stile jazzistico, eseguite con maestria, entusiasmo e umorismo, realizzando quella unione fra passato e presente molte volte inseguita e difficilmente ottenuta. Un bel concerto, insomma!
Programma
Aleksandr Skrjabin Preludi op.11 (selezio
Robert Schumann Fantasia in do maggiore op.17
Sergej Rachmaninov Preludi op.23 (selezione)
César Franck Prélude, choral et fugue in si minore

 

 

 

 

 

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Eventually a young pianist who offered a concert of truly outstanding quality. Izik‑Dzurko, fresh from his victory at the 2024 Leeds Competition (where he performed Brahms’s Second Concerto, one of the most difficult works in the solo repertoire), demonstrated both his technical and interpretative abilities in a performance that earned well‑deserved acclaim.Izik‑Dzurko does not yield to the temptations of his excellent technique; he always maintains interpretative control over the works he performs. This was convincingly evident, for instance, in his execution of Schumann’s Fantasia—a somewhat anomalous piece within the composer’s sequence of miniature‑like works—which, in its almost sonata‑like form (in three movements, though far from the classical models), demands maturity and sensitivity.Izik‑Dzurko has the intelligence to let the music “breathe”, not shying away from” ritardandos” and “pianissimos” (at times a bit excessive, as in the ending of the chorale in the Franck piece—an unusual choice, not entirely understandable but forgivable). The program certainly lacked some of the great names of the repertoire—for instance Chopin, Beethoven, and Brahms—and for this reason we hope to listen him again soon.Post‑Romantic sensitivity in Skryabin and Rachmaninoff, and a remarkable ability to command a composition with organ‑like sonorities, as in the case of Franck, bringing back to life a work that enjoyed great success in the past but has been rather unjustly neglected in recent years (unlike other pieces by the Belgian composer, such as the violin sonata). Izik‑Dzurko’s pianistic intelligence also emerged in the two encores: two virtuosic, jazz‑inflected pieces performed with mastery, enthusiasm, and humor, achieving that union between past and present so often sought and so rarely attained.A truly fine concert, in short.
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Napoli Milionaria – Bologna comunale “nouveau” 16 Giugno 2026


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L’opera, su libretto rimaneggiato da Eduardo, fu un clamoroso “flop” al Festival dei due modni del 1977. E a ragione. Poi non si resiste alla tentazione di riproporre opere scadenti per il solo fatto che sono protagonisti due autori importanti della cultura italiana Eduardo de Flippo e Nino Rota. Ma quandoque bonus dormitat Homerus. Niente a che vedere con il filo conduttore dell’opera teatrale. Qui abbiamo amori trasgressivi, richiami a Puccini e finale da Grand Guignol in cui ci scappa il morto.

E’ del tutto inutile infierire su un libretto che non sembra neppure scritto dal grande Eduardo che vorrebbe ricalcare i clichès del melodramma classico generando un pot pourri senza capo né coda. Lo iato fra un primo atto totalmente satirico) e il resto melodrammatico del resto del libretto è semplicemente fastidioso. E con tutta franchezza anche la musia di Rota non riesce mai a decollare nonostante i vari richiami alle melodie famose napoletante. L’opera semplicemente merita un meritato eterno riposo.  

In tutto questo è difficile giudicare le singole perfomances. Sicuramente di buon livello quelle di Amalia  (Laura Stella) e di Errico “settebellezze” (Kazuki Yoshida) un nome che ricorda un famoso filme di Lina Wertmüller. Ma il finale dell’oper con la trenodia di Amalaia non sta in piedi. Buon livello di direttore e orchestra.  Sed de hoc satis.

 

PS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti. 
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Maestro concertatore e Direttore James Feddeck
Regia Marcelo Lombardero
Nuovo allestimento del Teatro Comunale di Bologna
Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna
Maestro del Coro Giovanni Farina
SCENE Diego Siliano
COSTUMI Luciana Gutman
LUCI Marcelo Lombardero
 
Cast
ERRICO “SETTEBELLIZZE”  Kazuki Yoshida
PEPPE O’CRICCO Giulio Iermini
FEDERICO | JOHNNY Michele Patti
RICCARDO SPASIANO Luca Park
O MIEZZO PREVETE Michele Giaquinto
PASCALINO “O PITTORE” Xin Zhang
GENNARO JOVINE Bruno Taddia
AMALIA Laura Stella
MARIA ROSARIA Claudia Ceraulo
AMEDEO Raffaele Feo
IL BRIGADIERE CIAPPA Yuri Guerra
ADELAIDE SCHIANO Benedetta Mazzetto
ASSUNTA Eleonora Filipponi
DONNA VINCENZA Rosa Guarracino
DONNA PEPPENELA Lucia Michelazzo
UNA VOCE/UNA DONNA DEL POPOLO Fanny Eszter Fogel
UNA GUARDIA/UNO SOLO Davide Minoliti
UNA VOCE/IL CAPO PALAZZO Pasquale Conticelli
IL MARESCIALLO Gianluca Monti

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(Giovanni Neri –  80)

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The opera, with a libretto reworked by Eduardo, was a resounding flop at the 1977 Festival dei Due Mondi. And rightly so. Yet one never seems able to resist the temptation to revive mediocre works simply because they bear the names of two major figures of Italian culture, Eduardo De Filippo and Nino Rota. But quandoque bonus dormitat Homerus. This has nothing to do with the original stage play. Here we get transgressive love affairs, Puccinian echoes, and a Grand Guignol finale complete with a corpse. There is no point in dwelling on a libretto that hardly seems written by the great Eduardo at all, attempting to imitate the clichés of classical melodrama and producing instead a shapeless pot-pourri. The gap between a first act that is entirely satirical and the melodramatic tone of the rest is simply irritating. And, frankly, even Rota’s music never manages to take off, despite various nods to famous Neapolitan melodies. The opera simply deserves a well‑earned eternal rest. In all this, it becomes difficult to judge the individual performances. Certainly of good quality are Amalia (Laura Stella) and Errico “Settebellezze” (Kazuki Yoshida), a name that recalls Lina Wertmüller’s famous film. But the opera’s ending, with Amalia’s threnody, simply does not hold together. The conductor and orchestra are on a solid level. Sed de hoc satis.
PS. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background
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Quartetto Doré – Bologna Festival Talenti 15 Giugno 2026


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Un concerto difficile da recensire
             Il quartetto 
Programma
    • Wolfgang Amadeus Mozart Quartetto n.14 in sol maggiore KV 387
    • Osvaldo Golijov Tenebrae (versione per quartetto d’archi)
    • Ludwig van Beethoven Quartetto per archi in mi minore op.59 n.2 “Razumovskij”

 

 

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A concert of
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Sofia Donato – Bologna Pianofortissimo 9 Giugno 2026


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Un concerto luci e ombre.
             Un’esecuzione impeccabile della partita bachiana sia da un punto di vista tecnico che interpretativo Donato non usa il pedale di risonanza (approccio correttissimo) ma non evita le sfumature esprimendo quindi il meglio del brano rimanendo però sempre assolutamente in stile. E’ questa la modalità – a mio parere – con la quale si deve affrontare un brano bachiano (forse non dei più belli). Discorso del tutto diverso per la fantasia di Chopin. Donato ha una grande capacità di “cantare” ovvero di utilizzare un tocco levigato e un’espressività di prim’ordine. Ma.. purtroppo ecco che un eccesso di esuberanza la porta a eccedere di velocità nelle parti più accelerate con la conseguenza che si evidenziano alcune imperfezioni tecniche ma soprattutto si perde il tessuto musicale del brano in un profluvio di note affastellate e confuse. Un vero peccato perché un po’ più di controllo (la giovane età non aiuta, é vero)  e quindi di maturità interpretativa avrebbe migliorato di molto l’esecuzione del brano.  Nella seconda parte l’Humoreske di Schumann, brano invero poco frequentato (come è il caso delle Novellette senza un vero motivo appartenendo tutte allo stesso ambito musicale del compositore di Zwickau). Qui l’atteggiamento è risultato un po’ più maturo anche nei capitoli più virtuosistici ottenendo un risultato di buona qualità. Donato è una giovane pianista molto dotata che promette molto se verrà a compimento il necessario processo di maturazione. Speriamo di risentirla presto anche in brani interpretativi più impegnativi (ad esempio l’ultimo Brahms).  Due bis e un buon successo di pubblico. 
Programma
  • Johann Sebastian Bach Partita n.3 in la minore BWV 827
  • Fryderyk Chopin Fantasia in fa minore op.49
  • Robert Schumann Humoreske in si bemolle maggiore op.20

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A concert of light and shadow. An impeccable performance of the Bach’s Partita, both technically and interpretatively. Donato does not use the sustaining pedal (a perfectly correct approach), yet she does not renounce nuance, thus bringing out the best in the piece while remaining absolutely within stylistic boundaries. This is—at least in my view—the way a Bach work should be approached (even if this is perhaps not one of the most beautiful). A completely different case for Chopin’s Fantaisie. Donato has a remarkable ability to “sing,” that is, to use a polished touch and first‑rate expressiveness. But… unfortunately, an excess of exuberance leads her to push the tempo too far in the more accelerated sections, with the result that certain technical imperfections become evident and, above all, the musical texure dissolves into a torrent of crowded, confused notes. A real pity, because a bit more control (her young age, admittedly, does not help) and thus greater interpretative maturity would have greatly improved the performance. In the second half, Schumann’s Humoreske—a piece seldom performed (as is the case with the Novellette, without any real reason, since they all belong to the same expressive world of the Zwickau composer). Here her approach appeared somewhat more mature, even in the more virtuosic sections, yielding a result of good quality.Donato is a very gifted young pianist who promises a lot, provided the necessary process of maturation comes to fruition. Let us hope to hear her again soon, also in more demanding interpretative repertoire (for instance, the last pieces of Brahms). Two encores and a warm reception from the audience.
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Foron/Ax – Bologna Comunale 25 Maggio 2026


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Sophia Liu – Bologna Grandi Interpreti 20 Maggio 2026


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Un programma senza,
                            significato particolare logico al grido di “di tutto un po’ ”   terminato da quel brano di gusto orribile, virtuosistico ma musicalmente inaccettabile che è Islamey.  Se esistesse un “indice” dei brani musicali da proibire Islamey – a mio parere – dovrebbe essere in cima alla lista. Per dimostrare le proprie capacità tecniche esistono molti altri brani in grado di svolgere il compito senza abdicare alla musicalità. Ne cito solo alcuni: “Petruska” di Stravinskji, “Gaspard de la nuit” di Ravel e anche la toccata finale di “Le tombeau de Couperin” ancora di Ravel. Ma sono solo tre esempi.   Un concerto “double face” . La prima parte dedicata interamente a Chopin. Liu ha una tecnica ineccepibile ma dimostra anche una sensibilità musicale di prim’ordine. Le mazurche, per fare un esempio, sono schizzi musicali nei quali l’equilibrio interpretativo è la chiave della qualità. Liu ha saputo trarre il loro lo spirito utilizzando tutti gli strumenti interpretativi (piano, forte, rubato, accelerando etc.) ma sempre rimanendo nello stile del compositore polacco. Altrettanto si può dire per il singolo (..) notturno. Meno brillante l’esecuzione dello scherzo dove non sono mancati “scivoloni” virtuosistici così come nel finale della prima ballata, ridotto a uno studio di Clementi. Ma ci sta: è una giovanissima con una mano felicissima che ovviamente talvolta ha il sopravvento sullo spirito interpretativo.  Quanto alla scelta di 5 brani di Čajkovskij non se ne capisce tanto il significato. Sono brani giustamente poco eseguiti per i quali Liu ha sfoggiato le sue tecniche esecutive e una buona aderenza al loro spirito musicale ma certamente non hanno permesso una valutazione globale del pianismo di Liu che a questo fine dovrà affrontare molti altri classici e anche compositori moderni. Insomma una felicissima promessa che si spera porti a compimento un processo di maturazione al momento solo iniziato.  Ottimo successo di pubblico. Due bis: una rivisitazione in chiave virtuosistica di “La valse” e il celebre Waltz di Chopin. 
Programma
  • Fryderyk Chopin Notturno in si maggiore op.9 n.3, Quattro Mazurche op.22, Ballata n.1 in sol minore op.23, Scherzo n.4 in mi maggiore op.54
  • Pëtr Il’ič Čajkovskij Dumka in do minore op.59, Le quattro stagioni op.37a (selezione)
    III. Marzo: Il canto dell’allodola / VI. Giugno: Barcarola / VII. Luglio: La canzone del mietitore / VIII. Agosto: Il raccolto / IX. Settembre: La caccia / XI. Novembre: Troika / XII. Dicembre: Natale
  • Milij Balakirev Islamey: una fantasia orientale op.18

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 A program without any particular logical meaning, built on the principle of “a bit of everything,” and ending with that piece of appalling taste — virtuosic but musically unacceptable — which is Islamey. If there were an “index” of musical works to be banned, Islamey — in my opinion — should be at the very top of the list. There are plenty of other pieces capable of showcasing one’s technical abilities without abandoning musicality. I’ll mention just a few: Stravinsky’s Petrushka, Ravel’s Gaspard de la nuit, and even the final Toccata from Ravel’s Le tombeau de Couperin. But these are only three examples. A “double‑faced” concert. The first half was devoted entirely to Chopin. Liu has impeccable technique but also displays first‑rate musical sensitivity. The mazurkas, for instance, are musical sketches in which interpretive balance is the key to quality. Liu managed to capture their spirit, using every interpretive tool (piano, forte, rubato, accelerando, etc.) while always remaining within the stylistic boundaries of the Polish composer. The same can be said of the single nocturne. Less convincing was the performance of the scherzo, where some virtuosic “slips” appeared, as well as in the ending of the First Ballade, reduced to a Clementi étude. But that’s understandable: she is very young, with a wonderfully gifted hand that sometimes inevitably takes precedence over the interpretive spirit.As for the choice of five pieces by Tchaikovsky, their meaning is hard to grasp. They are works that are rarely performed — and rightly so — in which Liu displayed her technical skills and a good adherence to their musical character, but they certainly did not allow for a comprehensive assessment of her pianism. To achieve that, she will need to tackle many other classics as well as modern composers. In short, a wonderfully promising artist, and one hopes she will eventually complete a process of maturation that is,  for now, only at its beginning. Excellent audience success. Two encores: a virtuosic reworking of La valse and Chopin’s famous Waltz.
 
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Orchestra Mozarteum Salzburg/Piovano – Bologna Musica Insieme 18 Maggio 2026


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Un concerto molto godibile …
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Sollima Fresu Campaner – Bologna Musica Insieme 11 Maggio 2026


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Non so come definire,
          questa “performance” che differisce di molto dal classico “concerto”. Qui abbiamo luci variabili, fumi che si sprigionano dietro gli esecutori, ampio uso di amplificazioni elettriche (in particolare per le trombe), strumenti variabili (trombe diverse per Fresu, viola da gamba e un violoncello – colorato in tricolore – costruito dai rottami di un naufragio di migranti per Sollima, un pianoforte a coda operato anche direttamente sulle corde etc.).  Non trovo performance similari nella mia memoria e l’unico accostamento è quello dei “Sons e Lumières” nei siti storici o quello del “Tattoo” al festival di Edimburgo. Non ho quindi gli strumenti culturali per valutare il tutto. Posso solo dire che non mi è piaciuto ma che però mi sono divertito (almeno fino a metà poi ha preso il sopravvento la ripetitività.).  Sollima si è rivelato quel virtuoso che ben conosciamo (e ha caricato sulle sue spalle buona parte della performance). Meno in evidenza Fresu (perché suona sempre inchinato verso il basso?) mentre Campaner è intervenuta solo nell’ultima pate della performance eseguendo fra l’altro una riedizione di un celebre brano di Astor Piazzolla. Naturalmente successo di pubblico: ci si poteva aspettare qualcosa di diverso?
PS A differenza delle altre recensioni non inserisco le faccine di valutazione perché non saprei come utilizzarle.
Programma
Musica Varia…

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(Giovanni Neri 80)

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Stefanelli Pantani – Bologna Conoscere la musica 29 Aprile 2026


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Diciamo subito,
          che questo è un concerto che si eleva al di sopra della media di Conoscere la Musica. Interessante e di qualità sia per gli interpreti che per il programma bilanciato fra musicisti “classici” e “moderni”, ammesso che questa distinzione abbia un senso. Il voloncellista Stefanelli è un giovane che – a parere di chi scrive – farà molta strada. Tecnica assolutamente sicura anche nei passaggi più impegnativi (i.e. Poulenc) intonazione sempre perfetta (non ho rilevato una sola “sbavatura”) grande volume di suono, vibrato di qualità. E anche dal punto di vista interpretativo la sua esecuzione ha saputo mettere in risalto lo spirito delle partiture eseguite, sempre nell’alveo dello stile, senza indulgere in eccessi che purtroppo molto spesso infestano i giovani esecutori per impressionare il pubblico. Un discorso diverso per il pianista Pantani. Il suo pianismo è caratterizzato da un eccesso di esuberanza (si pensi solo all’otta all’inizo del trio del secondo tempo della sonata di Brahms) che spesso diventa aggressività nei confronti dello strumento. Pantani ha dimenticato che sonava in duo con uno strumento ad arco e per fortuna che quest’ultimo ha saputo estrarre dallo strumento una sufficiente sonorità. Ma suonare in duo signifca  che quello che è un ff in una esecuzione solistica deve essere interpetato come un mff in duo. Se poi si considera che erroneamente il coperchio del pianoforte è rimasto aperto è facile intuire il risultato. Difficile quindi valutare la sua esecuzione: forse dovrebbe acquisire consapevolezza di cosa esegue e quale ne sia il contesto. Comunque un buon successo di un non folto pubblico e due bis.
Programma

N. Boulanger (1887 -1979) 3 pezzi per violoncello e pianoforte
Modéré
Sans vitesse et a l’aise
Vite et nerveusement rythmé
J. Brahms (1833 – 1897) Sonata per violoncello e pianoforte op.38 in mi minore
Allegro non troppo –
Allegretto quasi Menuetto. Trio – Allegro
F. Poulenc (1899 – 1963) Sonata per violoncello e pianoforte FP. 143
Allegro. tempo di Marcia –
Cavatine – Ballabile –
FinaleMarchigiana,

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(Giovanni Neri 80)
Happy

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Let us say straight away that this is a concert that rises above the usual standard of Conoscere la Musica. It was interesting and of high quality, both for the performers and for a programme balanced between “classical” and “modern” composers—assuming that such a distinction still makes sense.  Cellist Stefanelli is a young musician who, in the opinion of the present writer, will go far. His technique is absolutely secure even in the most demanding passages (e.g. Poulenc), his intonation consistently flawless (I did not detect a single lapse), his sound powerful, and his vibrato excellent. From an interpretative standpoint as well, his performance brought out the spirit of the works, always within the stylistic framework and without indulging in the excesses that too often plague young performers eager to impress an audience. A different discussion applies to pianist Pantani. His pianism is marked by an excess of exuberance (one need only think of the octave at the beginning of the trio in the second movement of the Brahms sonata), which often turns into sheer aggressiveness toward the instrument. Pantani seemed to forget that he was playing in a duo with a string instrument—and it is fortunate that the latter was able to draw enough sound from his instrument. But playing in a duo means that what would be an ff in a solo performance must be treated as an mff in chamber music. If we add the fact that the piano lid was mistakenly left fully open, the result is easy to imagine. It is therefore difficult to assess his performance: he may need to develop a clearer awareness of what he is playing and of the context in which he is playing it. In any case, the concert was met with a warm reception from a not particularly large audience, and the performers offered two encores.
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Nunc est bibendum… – 26 Aprile 2026


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.. nunc pede libero pulsanda tellus. La squallida vicenda della Venezi finalmente si è conclusa come doveva concludersi. La signora ha dimostrato di avere una materia grigia molto ridotta, ringalluzzita da sostegni di carattere politico che nulla hanno a che vedere con la cultura. Forse potrà crescere: non si nega questa possibilità a nessuno ma in teatri meno prestigiosi della Fenice e se saprà dimostrare di avere acquisito competenza e buon senso (seppure le premesse non sono positive) nulla vieta che in un domani possa aspirare alla Fenice. Ma per merito e non catapultata da decisioni verticistiche che non fanno onore al teatro. Si può solo sperare che il sovrintendete Colabianchi abbia imparato la lezione e agisca avendo come punto di riferimento il prestigio del teatro e non gli interessi di bottega. Amen.
PS Sono costretto ancora una volta a segnalare che commenti “anonimi” e non inviati ai “commenti” dei posts sono immediatamente cassati
(Giovanni Neri – 80)
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Roberto Devereux – Bologna Comunale “nouveau” 22 Aprile 2026


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Come sempre, sarebbe ingeneroso segnalare che quanto presente nel libretto di Cammarano poco ha a che vedere con la realtà storica. Ovviamente Elisabetta non abdicò mai e tampoco per una questione amorosa. Morì nel suo letto e la successione passò a James VI di Scozia (figlio della cugina in secondo grado Mary Stuart giustiziata per tradimento) che prese il nome di James I di Inghilterra. Roberto Devereux conte di Essex (che aveva poco più di trent’anni rispetto a Elisabetta) dopo esserne stato il “favorito” fu giustiziato per avere fomentato una rivolta antimonarchica, di fatto l’unica che subì Elisabetta I nei 44 anni del suo regno. Ma tant’è: un’opera non si giudica certo dalla sua aderenza alla realtà storica (si pensi ad esempio al Don Carlos di Verdi).  L’opera nella sua realizzazione bolognese potrebbe essere considerata una “provocazione” per una scenografia del tutto storico-tradizionale (se si pensa alle scenografie “creative” di pessimo gusto – non tutte ovviamente – che infestano i teatri d’opera, il cui alfiere è Damiano Mihieletto).  Qui sono i colori cupi che costituiscono l'”imprinting” scenografico ravvivati talora da costumi sgargianti dei protagonisti. E certamente va segnalata la scelta felice di un giullare che si aggira sulla scena a partire dalla ouverture.  Ma è tutta l’impostazione registica che sottolinea la tragedia dell’opera. E anche certe scelte piuttosto “ardite” (come quella di una Elisabetta dimessa dell’ultima scena) appaiono perfettamente significative. 
La direzione di Renato Palumbo (giustamente applaudita) è stata di grande qualità ottenendo dall’orchestra del comunale il meglio che è in grado di offrire. Le sottolineature non hanno mai sovrastato le voci ma le hanno accompagnate (per non dire sollecitate) ad esprimere le loro qualità. Va detto che il miglioramento complessivo dell’orchestra è significativo e la porta a un livello di eccellenza che le permette di competere a testa alta con altre orchestre italiane (e non solo). 

Un discorso più articolato vale per il cast. Purtroppo la sostituzione di Karen Gardeazabal nel solo di Elisabetta (forse se si annuncia la sostituzione si dovrebbe anche indicarne la ragione).  ha tolto una parte dell’interesse anche se Ekaterina Bakanova non ha sfigurato. Voce forte e drammatica non è sempre felicissima negli acuti ma riesce a rappresentare pienamente tutta la drammaticità del personaggio. Nel cast la voce forse un po’ meno felice è quella di Francesco Demuro che alterna a belle emissioni altre un po’ più metalliche e che ha avuto qualche scivolamento di intonazione. Certamente la sua parte è impervia (si pensi all’ultimo anno e a tutti i “soli” in cui è impegnato) e quindi certamente raggiunge una valutazione complessivamente positiva. La voce che invece è risultata più felice è quella di Vladimir Stoyanov, un baritono perfettamente nella parte e al quale non può essere imputata alcuna pecca. Bravissimo. Una valutazione a parte per Raffaella Lupinacci in un ruolo minore che non ha sfigurato rispetto agli altri più importanti protagonisti. Buoni professionisti gli altri interpreti.

Roberto Devereux è stata certamente la rappresentazione più felicefin qui  della stagione operistica premiata con un grande e meritato successo di pubblico.
PS Ero seduto di fianco a due ragazze di una ventina d’anni che per tutta la rappresentazione hanno compulsato i cellulari (fortunatamente in modalità a luminosità ridotta a differenza di un altro maleducato che tre posti più in là ha tenuto acceso in modo luminoso il cellulare nel primo atto. Poi se ne è andato… Ma le maschere che ci stanno a fare?). Ma la verifica non era seguente a una qualche segnalazione ma a una sorta di necessità impellente di verifica, una sorta di droga da tossicodipendenza informatica che mi ha veramente fatto capire come per certe persone il cellulare sia una fonte necessaria di vita. Cosa abbiano capito dell’opera non mi è chiaro ma mi è chiaro che siamo di fronte a una grave patologia.
PPS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti. 
Happy
Happy
Maestro concertatore e Direttore Renato Palumbo
Regia Alfonso Antoniozzi
Allestimento della Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova
Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna
Maestro del Coro Giovanni Farina
Team creativo
REGIA RIPRESA DA Luisa Baldinetti
SCENE Monica Manganelli
COSTUMI Gianluca Falaschi
LUCI Paolo Liaci
COSTUMISTA COLLABORATORE Gian Maria Sposito
Cast
ELISABETTA Roberta Mantegna (sostituita con Ekaterina Bakanova)
SARA Raffaella Lupinacci
ROBERTO DEVEREUX Francesco Demuro
IL DUCA DI NOTTINGHAM Vladimir Stoyanov
LORD CECIL Pierluigi D’Aloia
SIR GUALTIERO Nicolò Donini
UN PAGGIO Tommaso Norelli
UN FAMILIARE DI NOTTINGHAM Giuseppe Nicodemo
ATTORI
Domenico Indiveri
Giacomo Gaetano Liva
Giordano Boschi
Lisa Manzini
Lucia Fontanelli

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(Giovanni Neri 80)

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As always, it would be unfair to point out that what appears in Cammarano’s libretto has very little to do with historical reality. Elizabeth, of course, never abdicated—least of all for a love affair. She died in her bed, and the succession passed to James VI of Scotland (son of her second cousine Mary Stuart, executed for treason), who became James I of England. Robert Devereux, Earl of Essex—more than thirty years younger than Elizabeth—after having been her “favorite” was executed for fomenting an anti‑monarchical revolt, in fact the only one Elizabeth I faced in her forty‑four‑year reign. But so be it: an opera is certainly not judged by its adherence to historical truth (one need only think of Verdi’s Don Carlos). The Bologna production could almost be considered a “provocation,” given its entirely traditional, historically minded staging—especially if one thinks of the “creative” and often tasteless sets (though not all, of course) that infest opera houses today, with Damiano Michieletto as their standard‑bearer. Here, dark colours provide the scenographic “imprint,” at times brightened by the protagonists’ flamboyant costumes. And the choice to introduce a jester wandering onstage from the overture onward is certainly a felicitous one. But it is the overall directorial approach that underscores the tragedy of the opera. Even certain rather “bold” choices—such as portraying a subdued, diminished Elizabeth in the final scene—prove entirely meaningful. Renato Palumbo’s conducting (rightly applauded) was of great quality, drawing from the Teatro Comunale orchestra the very best it has to offer. His nuances never overwhelmed the voices; rather, they supported them—one might even say encouraged them—to express their full potential. It must be said that the orchestra’s overall improvement is remarkable, raising it to a level of excellence that allows it to compete confidently with other Italian ensembles (and not only Italian ones). A more nuanced discussion is needed for the cast. Unfortunately, the replacement of Karen Gardeazabal in the role of Elizabeth (and perhaps, if one announces a replacement, one should also indicate the reason) diminished part of the interest, even though Ekaterina Bakanova did not disappoint. A strong, dramatic voice, not always at her happiest in the high register, but fully capable of conveying the character’s emotional intensity. In the cast, the least convincing voice was perhaps that of Francesco Demuro, who alternated beautiful phrases with others more metallic in timbre, and who had a few lapses in intonation. His role is certainly treacherous (consider the final act and all the solos he must tackle), so his overall performance remains decidedly positive. The most satisfying voice, however, was that of Vladimir Stoyanov, a baritone perfectly suited to the role and entirely without blemish. Excellent. A separate mention goes to Raffaella Lupinacci, who in a smaller role held her own perfectly well alongside the more prominent protagonists. The remaining cast members were solid professionals.  Roberto Devereux was undoubtedly the most successful production of the operatic season so far, rewarded with a great and well‑deserved public triumph.
P.S. I was seated next to two girls in their twenties who spent the entire performance compulsively checking their phones (fortunately with the brightness turned down, unlike another rude spectator three seats away who kept his screen glaringly lit throughout the first act—then left… But what are the ushers there for?). And this wasn’t in response to any notification, but rather a kind of compulsive need to check—an almost addictive digital dependency that made me realize how, for some people, the smartphone has become a vital source of life. What they understood of the opera is unclear; what is clear is that we are facing a serious pathology.
P.P.S. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background
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Shahan Placci Wheeler – Bologna Musica Insieme 20 Aprile 2026


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Avevo già avuto modo…
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Lohengrin – Venezia Fenice 12 Aprile 2026


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Sarebbe troppo facile etichettare la messa in scena come l’ennesima “michielettata”. Semplicemente non c’è un solo elemento che rapporti la scenografia all’opera. E non si tratta di vieto conservatorismo. Semplicemente sembra di trovarsi davanti a un rompicapo che non ha una soluzione definita e che induce gli spettatori a faticose quanto improbabili interpretazioni. Cosa c’entra la vasca da bagno iniziale con acqua che deborda e nella quale Elsa lava gli indumenti del fratello (vasca che, quale Moloch, si ripresenta nel finale dell’opera)? E che dire di un Lohengrin che arriva dal Monsalvat trascinando (avete capito bene trascinando) a fatica una bara che rappresenterebbe il cigno (forse andato in “panne”, perché alla fine dell’opera viene aperta con spargimento di piume mentre Lohengrin semplicemente scompare?). E perché Heinrich è claudicante? E che dire del povero Friederich von Telramund sconfitto nel duello con Lohengrin non da una spada ma da una melassa piovuta dal cielo e che poi si aggira sul palcoscenico con una canotta stile Bossi ad Arcore?  Ma il top è rappresentato da un profluvio di uova che appaiono dal cielo mentre una è presente sul palcoscenico che coperta di vernice nera che progressivamente ricopre il proprio guscio di nero accecando con il colore la povera Elsa. In fondo più facilmente accettabile è il vestito nero anni ’50 di Ortrud completato da cappellino con veletta di ordinanza. Potrei continuare ma sarebbe inutile.
Qui la scenografia non è una parte dell’opera, se vogliamo la sua rappresentazione visiva. Qui semplicemente siamo in presenza di un’azione teatrale (chi non ricorda il terzo atto di Bohème?) avulsa del contesto musicale alla quale dovrebbe fare riferimento. Se la consideriamo come tale, come un’esperienza visiva allora se ne può discutere e in un certo senza avere un suo significato prescindendo però dal fatto che dovrebbe essere legata alla vicenda di Lohengrin. Purtroppo siamo alle solite: un regista che vuole impressionare un pubblico di bocca buona (che però non sembra abboccare nel caso particolare) secondo la regola vigente che è importante soltanto fare parlare di sé indipendentemente da quanto proposto. E sono curioso di leggere le recensioni di chi troverà sicuramente un significato recondito nella scenografia non avendo il coraggio di dire semplicemente che “il re è nudo”.
Peccato perché il lato musicale è invece di qualità a partire dal direttore capace di infondere ai fiati (e soprattutto agli ottoni) il tono e l’intensità necessaria. E anche gli archi giocando una parte importante non dimenticando il “solo” del violoncello all’inizio del secondo atto, semplicemente perfetto. Chi invece non è perfetto è purtroppo Lohengrin (Brian Jagde), che dopo un attacco disastroso del primo atto, non trova mai, mai, il registro giusto fiaccando il personaggio fino al pessimo finale, quello del racconto della sua origine. All’estremo opposto l’Ortrud di Chiara Magini, voce drammatica, potente, insinuante che rende perfettamente il personaggio malvagio e che viene giustamente applaudita dal pubblico alla fine della rappresentazione. Non esaltante la Elsa di Dorothea Herbert che esibisce buone, non eccelse doti vocali ma che fallisce nel secondo atto sia quando si fa sedurre da Ortrud che quando estorce a Lohengrin il segreto della sua origine. Quanto a Claudio Otelli come Friedrich von Telramund gli va perdonata una prestazione non eccezionale a causa di una scellerata regia, ma non sembra comunque eccellere sia come voce che come presenza scenica. Le altre voci nell’ambito di una buona, non eccelsa, professionalità.
Un buon successo di pubblico che però sembrava più composto da turisti alla ricerca di una esperienza alla Fenice che da intenditori. Una sola contestazione del sovrintendente dai palchi, nessun lancio di foglietti e quindi una serata senza scosse. Se si eccettua invece all’esterno del teatro, prima dell’inizio dell’opera, una vibrante contestazione del sovrintendente. In materia suggerisco di leggere l’elzeviro di Mephisto sul Sol 24 ore di domenica 12 Aprile. L’opera è stata trasmessa in diretta anche da Radio 3 e credo che siano stati più fortunati gli ascoltatori degli spettatori della Fenice .                          
Cast
Heinrich der Vogler Anthony Robin Schneider
Lohengrin Brian Jagde
Elsa von Brabant Dorothea Herbert
Friedrich von Telramund Claudio Otelli
Ortrud Chiara Mogini
Der Heerrufer des Königs Äneas Humm
Vier brabantische Edle  Orlando Polidoro, Nicola Pamio, Paolo Gatti, Arturo Espinosa
Vier Edelknaben Elisa Savino, Lucia Raicevich, Claudia De Pian, Mariateresa Bonera
Herzog Gottfried Pietro Ceccato, Leo Mannise
Conductor Markus Stenz
Director Damiano Michieletto
Dramaturg Mattia Palma
Set designer Paolo Fantin
Costum designer Carla Teti
Lighting designer Alessandro Carletti
La Fenice Orchestra & Choir Chorus Master Alfonso Caiani
Hungarian National Male Choir
Chorus Master Richárd Riederauer

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It would be far too easy to label the staging as yet another “Michieletto‑style production.” Quite simply, there is not a single element that connects the set design to the opera itself. And this is not a matter of stale conservatism. It simply feels like being confronted with a puzzle that has no clear solution and forces the audience into laborious and improbable interpretations. What is the menaing of the initial bathtub — with water overflowing  in which Elsa washes her brother’s clothes — that, like some sort of Moloch, reappears at the end of the opera? And what about a Lohengrin who arrives from Monsalvat dragging (yes, dragging) a coffin that is supposed to represent the swan (perhaps “broken down” since at the end of the opera it is opened and feathers spill out while Lohengrin simply disappears)? And why is Heinrich limping?And what can be said of poor Friedrich von Telramund, defeated in the duel with Lohengrin not by a sword but by some kind of syrup falling from the sky, after which he wanders around the stage wearing a tank top worthy of the italian Bossi? But the top is reached with a deluge of eggs descending from above, while another egg sits onstage, covered in black paint that gradually coats black its shell, blinding poor Elsa with its color. In comparison, Ortrud’s 1950s black dress, complete with the obligatory veiled hat, is almost easy to accept.I could go on, but it would be pointless. Here the set design is not part of the opera — its visual representation, if you will. What we have instead is a theatrical action (who doesn’t remember the third act of La Bohème?) detached from the musical context it should be serving. If we consider it as such, as a purely visual experience, then one might discuss it, and in a certain sense it may even have its own meaning — though entirely unrelated to the story of Lohengrin. Unfortunately, it’s the same old tume: a director eager to impress an undiscerning audience (which, in this case, does not seem to have taken the bait), following the prevailing rule that the only thing that matters is generating buzz, regardless of what is actually being presented. And I am curious to read the reviews of those who will surely find some hidden meaning in the staging, lacking the courage to simply say that “the emperor has no clothes”. A pity, because the musical side was instead of high quality, starting with the conductor, capable of giving the winds (and especially the brass) the tone and intensity required. The strings also played an important role, not to mention the cello solo at the beginning of the second act — simply perfect.Who was not perfect, unfortunately, was Lohengrin (Brian Jagde), who after a disastrous opening in the first act never, ever finds the right register, weakening the character all the way to the dreadful final narration of his origins. At the opposite extreme was Chiara Magini’s Ortrud: a dramatic, powerful, insinuating voice that perfectly embodies the evil character and rightly earned enthusiastic applause at the end. Dorothea Herbert’s Elsa was less impressive: good but not exceptional vocal qualities, and she falters in the second act — both when she lets herself be seduced by Ortrud and when she forces Lohengrin to reveal the secret of his origins . As for Claudio Otelli as Friedrich von Telramund, one must forgive a less‑than‑stellar performance due to the disastrous direction, though he does not seem to excel either vocally or scenically. The other voices were solid, though not outstanding.A good public success, though the audience seemed composed more of tourists seeking a “Fenice experience” than true connoisseurs. Only one protest against the superintendent from the boxes, no leaflet‑throwing, and thus an uneventful evening. Except for the lively protest against the superintendent outside the theatre before the performance began. On that matter, I suggest reading Mephisto’s column in Il Sole 24 Ore from Sunday, April 12.The opera was also broadcasted live on Radio 3, and I believe the listeners were luckier than the audience at La Fenice.
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Michael Hofstetter – Venezia Fenice 4 Aprile 2026


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Un concertino
             dove il diminutivo è voluto. Un concerto riduttivo in termini quantitativi e qualitativi.  Il primo brano in programma (la sinfonia di Vivaldi) non viene eseguito senza alcun motivo, almeno a conoscenza del sottoscritto. Almeno annunciarne il motivo sarebbe stato il minimo. ll direttore Hofsteder è un buon professionista che però non ha avuto modo di esprimere le sue qualità nei due soli brani che ha diretto. Nulla da eccepire sull’orchestra e sul coro sempre all’altezza della tradizione del teatro.  Non altrettanto per le due soliste. Da un lato una voce che assume toni metallici all’aumentare del volume e dell’altezza del suono e dall’altro una voce che fatica a uscire dalla profondità della gola. Insomma una prestazione complessiva di bassa qualità. A differenza della prima serata nessuna contestazione plateale del sovrintendente Colabianchi e della sua protetta Venezi. Anzi sul Corriere di oggi ci sono dichiarazioni bellicose di resistenza. Vedremo se al probabile cambio di orientamento del comune alle prossime elezioni non cambierà la musica e se anche la Fenice sarà coinvolta nelle ristrutturazioni in corso nel governo del paese. Si può sperare.
PS Non lo faccio mai ma per pura curiosità sono andato a vedere i commenti sparati dai soliti leoni da tastiera in merito alla contestazione del sovrintendente.Uno sciocchezzaio da fine del mondo! E’ devastante vedere il livello di  chi molto probabilmente non capisce nulla di musica o di direzione d’orchestra ma spara sentenze a raffica. Tutto si riduce a insulti “politici” senza una sola considerazione tecnica. Gente che non sa cosa fare e parla di cose che non capisce soddisfatta solo del fatto di essere pubblicata. Chiacchiere da “bar sport” che sono però uno spaccato di come tanti formano la propria opinione su fatti che non capiscono e non conoscono.  Ed è gente che vota anche…
Programma
Antonio Vivaldi Sinfonia Al Santo Sepolcro in si minore rv 169
Antonio Lotti Credo in fa maggiore per voci, archi e continuo
Giovanni Battista Pergolesi Stabat mater (soprano Giulia Bolcato – contralto Teresa Iervolino)

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A small concert — and the diminutive is intentional. A concert reduced both quantitatively and qualitatively. The first piece on the program (Vivaldi’s symphony) was not performed for reasons unknown to me. At the very least, announcing the reason would have been the minimum courtesy. Michael Hofsteder is a good professional, but he had no real opportunity to show his qualities in the only two pieces he conducted. Nothing to object to regarding the orchestra and the chorus, always up to the theatre’s tradition. The same cannot be said of the two soloists: on one side, a voice that turns metallic as volume and pitch increase; on the other, a voice that struggles to emerge from the depths of the throat. In short, an overall performance of low quality. Unlike the opening night, there were no public protests against superintendent Colabianchi and his protégée Venezi. On the contrary, today’s Corriere features defiant statements of resistance. We shall see whether, with the likely shift in the city’s political orientation in the upcoming elections, the tune will change — and whether La Fenice, too, will be involved in the broader restructuring underway in the country’s governance. One can hope.
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Christos Fountos – Bologna Conoscere la musica 1 APrile 2026


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Christos Fountos è un non più,
             giovanissimo pianista (29 anni) che ha ottenuto il terzo premio al Busoni del 2025 (il Busoni da tempo è diventato triennale). Il suo è un pianismo “roccioso” basato su un’ottima tecnica e un’impostazione che potrei definire “slava”, nel senso che evita, nei  brani sei-settecenteschi, un approccio filologico, utilizzando ampiamente l’espressività del pianoforte e il pedale. Una discussione sulle esecuzioni filologiche ovviamente non è argomento di questo post. Complessivamente si può dire che Fountos  è un ottimo esecutore ma che non pare raggiungere i livelli massimi di eccellenza cui in alcuni casi siamo abituati e che un terzo, dignitosissimo, posto al Busoni è – a mio parere – una valutazione congrua.  Se si escludono i due bellissimi preludi di Busoni (perché così raramente eseguiti?) Fountos ha dato il meglio di sé nei poco frequentati brani schumanniani estraendo al meglio la poetica del compositore tedesco. Una esecuzione più che dingitosa della sonata di Haydn (non delle più belle) e purtroppo una esuberanza acritica in Rachmaninoff. Le difficoltà tecniche (superate brillantemente) non sono però il significato profondo del brano ed è proprio dei migliori interpreti estrarre e valorizzare in modo critico la componente musicale. Questo non si è visto. Un discorso a parte vale per il Ravel più impervio che invece è stato eseguto (soprattutto nella seconda parte – le gibet) con grande sensibilità. In questo caso facendo prevalere l’aspetto musicale su quello rutilante tecnico. Nella locandina era prevista anche una sonata di Scrjabin non eseguita in quanto i tempi del concerto si sarebbero troppo dilatati.  Programmi un po’ “sparpagliati” e di lunghezza eccessiva denotano una certa ansia di affermazione da parte dell’esecutore. Fountos è un pianista che meriterebbe di essere riascoltato in un programma più coerente, in una sala di maggiori dimensioni e con un piano a coda di dimensioni normali. Grande successo di un inconsueto (per Conoscere la musica) foltissimo pubblico che raramente frequenta la sala Biagi e che lascia il dubbio di una partecipazione non del tutto acritica. Un bis. 
Programma
F.J. Haydn (1732-1809) Sonata n. 24 in re maggiore Hob XVI: 24 Allegro – Adagio – Finale. Presto
F. Busoni (1866-1924) 2 Preludi dall’Op. 37
D. Scarlatti (1685-1757) Sonata in sol minore K. 35, Sonata in sol maggiore K. 455
S. Rachmaninoff (1873-1943) Etude-Tableau in mi bemolle minore op. 39 n. 5
A. Scriabin (1872-1915) Sonata n. 4 in fa diesis maggiore op. 30 Andante. Prestissimo volando (non eseguita)
J.J. Froberger (1616-1667) Suite XVIII in sol minore Allemande – Gigue – Courante – Sarabande
R. Schumann (1810-1856) 3 Fantasiestücke, op. 111
M. Ravel (1875-1937) Gaspard de la Nuit (Ondine – Le gibet – Scarbo)

 

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Christos Fountos is no longer a very young pianist (he is 29) and he won third prize at the 2025 Busoni Competition (which has long since become a triennial event). His pianism is “rock‑solid,” grounded in excellent technique and in an approach I would describe as “Slavic”: in the six-seventeenth‑century repertoire he avoids a philological stance, making full use of the piano’s expressive potential and of the pedal. A discussion of historically informed performance is obviously beyond the scope of this post. Overall, one can say that Fountos is an excellent performer, though he does not seem to reach the highest levels of excellence to which we are sometimes accustomed; in my view, a very respectable third place at the Busoni is an appropriate assessment. Setting aside the two beautiful Busoni preludes (why are they so rarely performed?), Fountos gave his best in the seldom‑played Schumann pieces, from which he drew out the German composer’s poetic world with great sensitivity. His Haydn sonata—far from the most compelling of Haydn’s—was more than respectable, while his Rachmaninoff unfortunately revealed an uncritical exuberance. Technical challenges (brilliantly overcome) are not the deeper meaning of the piece, and it is precisely the finest interpreters who manage to extract and highlight the musical substance with critical insight. This was not evident here. A different story altogether was the more demanding Ravel, which he performed—especially in the second section, Le Gibet—with great sensitivity, allowing the musical dimension to prevail over the dazzling technical one. The program had also announced a Scriabin sonata, which was not performed because the concert would have run too long. Programs that are somewhat scattered and excessively long suggest a certain anxiety to make an impression. Fountos is a pianist who deserves to be heard again in a more coherent program, in a larger hall, and with a full‑size concert grand.There was great success with an unusually large audience (for “Conoscere la musica”), a crowd that rarely attends the Biagi Hall and whose enthusiasm leaves one wondering whether the response was entirely critical. One encore.
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Rafal Blechaz – Milano Quartetto 31 Marzo 2026


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Rafal Blechaz è un ottimo pianista,
              che come al solito si ascolta molto raramente a Bologna (per non parlare di Yundi Li scomparso) mentre é invece ospite regolare del Quartetto. Vincitore dello Chopin del 2005  ha già al suo attivo una brillante e meritata carriera. Il suo è un pianismo che più classico non si potrebbe: si inscrive direttamente nel solco di Rubinstein e dei maestri del ‘900 con un approccio acritico ma sempre di grande qualità. Niente a che vedere con il Pollini degli anni migliori. Il suo è un pianismo levigato, senza increspature, molto corretto tecnicamente ma forse un po’ troppo apollineo. In certi brani, un po’ più di anima non avrebbe guastato. E mi riferisco soprattutto alla seconda parte del concerto dedicata a Chopin e segnatamente alla terza ballata, la ballata più particolare delle quattro con il suo inizio lirico.  Ma il discorso vale anche per la prima parte del concerto: è tutto perfetto e pulito ma talvolta un po’ troppo lineare.  Rispetto alle volte precedenti in cui ho avuto modo di ascoltarlo mi sembra che abbia imbroccato uno stile più manieristico. E non è un pianista particolarmente generoso: il suo concerto è durato poco più di un’ora e ha concesso solo due bis. Il primo il famoso Waltz in do diesis minore.  Il secondo, addirittura,  lo scherzo della sonata di Beethoven op.2 n.3. Con tutti i brani disponibili nella letteratura pianistica estrarre uno scherzo da una sonata è proprio non avere voglia di suonare.  Una nota di colore: Blechaz è ormai uno dei pochissimi pianisti che in esecuzioni solistiche si presenta in frac. Un omaggio, appunto, ai grandi maestri del passato.
Programma
Ludwig van Beethoven Sonata n. 14 in do diesis minore op. 27 n. 2 “Chiaro di luna”
Franz Schubert Quattro Improvvisi op. 90
Fryderyk Chopin Barcarola in fa diesis maggiore op. 60,  Ballata n. 3 in la bemolle maggiore op. 47,  Tre Mazurche op. 50,  Scherzo n. 3 in do diesis minore op. 39

 

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Rafał Blechacz is an excellent pianist, one who, as usual, is heard very rarely in Bologna (not to mention the now-absent Yundi Li), whereas he is instead a regular guest of the Quartetto. Winner of the 2005 Chopin Competition, he has already a brilliant and well‑deserved career behind him. His pianism could hardly be more classical: it fits directly into the tradition of Rubinstein and the great masters of the twentieth century, with an uncritical approach but always of very high quality. It has nothing to do with Pollini at his best. His is a polished pianism, without rough edges, technically very correct but perhaps a little too Apollonian. In certain pieces, a bit more soul would not have gone amiss. I am referring in particular to the second part of the concert devoted to Chopin, and especially to the third Ballade, the most distinctive of the four, with its lyrical opening. But the same applies to the first part of the concert as well: everything is perfect and clean, but at times a bit too linear. Compared with previous occasions on which I have had the chance to hear him, it seems to me that he has settled into a more mannered style. Nor is he a particularly generous pianist: his concert lasted just over an hour and he granted only two encores.  The first was the famous Waltz in C-sharp minor the second, incredibly, was the scherzo from Beethoven’s Sonata Op. 2 No. 3. With all the pieces available in the piano literature, extracting a scherzo from a sonata really suggests a lack of desire to play. One final note of color: Blechacz is now one of the very few pianists who, in solo performances, appears in a tailcoat—an homage, indeed, to the great masters of the past.
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Zhang Cattarossi – Bologna Conoscere la musica 25 Marzo 2026


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Fenice again – 25 Marzo 2026


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Helène Grimaud – Bologna Musica Insieme 24 Marzo 2026


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Quartetto Takàcs – Bologna Musica Insieme 16 Marzo 2026


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Farsa Fenice – atto n-esimo – 12 Marzo 2026


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