Sinfonica

Quartetto di fiati / Modugno- Bologna Conoscere la musica 28 Ottobre 2026

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Un concerto godibile…

… per vari motivi, Innanzi tutto per il programma che ha visto nella stessa sera due quintetti musicali con fiati di grande valore ma non spesso eseguiti a causa della formazione. Un complesso di giovani musicisti con una vecchia conoscenza del pianismo bolognese. Ovviamente non si può pretendere da un quintetto chiaramente alle prime armi una fusione sonora perfetta e un equilibrio fra le varie parti. Ad esempio nel quintetto mozartiano c’è stato un eccesso sonoro del corno che invece ha saputo calibrare correttamente la sua esecuzione in quello beethoveniano. Non sono mancate alcune imprecisioni (ad esempio del fagotto nel quintetto mozartiano) ma sono da considerare lievi imperfezioni dovute anche alla giovane età degli strumentisti, Fra i “legni” va sottolineata la prova dell’oboista Bergozzi che nei suoi “solo” ha sfoggiato una bel suono anche nei registri acuti. Un plauso al pianista Modugno che – a differenza di tanti altri – ha avuto la consapevolezza dell’acustica della sala Biagi probabilmente in questo anche aiutato dalle altre parti del quintetto che non avevano la bassa sonorità di violino e violoncello. Non si può che apprezzare un concerto di giovani strumentisti che in ogni caso debbono fare esperienza e forse riascoltando la registrazione potranno intuire gli squilibri sonori delle esecuzioni. Un buon successo da parte di un pubblico più folto del solito anche per la presenza di parenti e di allievi del conservatorio d Modena.

Programma

Wolfgang A. Mozart Quintetto K.452
Ludwig V. Beethoven Quintetto op. 16

Happy

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An enjoyable concert for many reasons. First and foremost, the program brought together in a single evening two outstanding yet rarely performed wind quintets, works whose relative neglect is largely due to the particular ensemble formation. The performers were a group of young musicians joined by a familiar figure from the Bolognese piano scene. Naturally, one cannot expect from a quintet still clearly at the beginning of its artistic journey a perfect blend of sound or absolute balance among all the parts. In the Mozart Quintet, for example, the horn often dominated the texture, whereas in the Beethoven work the player demonstrated a much finer sense of balance and proportion. There were also a few minor inaccuracies, such as those heard in the bassoon part of the Mozart quintet, but these should be regarded as slight imperfections, understandable in musicians of such a young age. Among the woodwinds, special mention must be made of oboist Bergozzi, who displayed a beautiful tone in his solo passages, including the more demanding upper register. Praise is also due to pianist Modugno who, unlike many others, showed a clear awareness of the acoustics of Sala Biagi. In this respect he was probably helped by the fact that the other instruments in the ensemble did not have the comparatively subdued sonority of the violin and of the cello.One cannot help but appreciate a concert performed by young musicians who are still gaining experience. Listening back to the recording may well help them recognize some of the occasional imbalances in sound and refine their ensemble playing further.The concert was warmly received by an audience larger than usual, thanks in part to the presence of relatives and students from the Conservatory of Modena.

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Abbado Gringolts – Bologna Comunale sinfonica 26 Ottobre 2026

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Ilia Gringolts si presenta addobbato con una giacchetta grigia a righe stazzonata che contrasta decisamente con il frak rituale di Roberto Abbado e degli strumentisti dell’orchestra. OK: l’abito non fa il monaco ma è un’apparizione un po’ particolare. Il concerto di Khačaturjan non è una delle sue composizioni migliori (ad esempio a fronte del bellissimo concerto per violoncello e orchestra per rimanere nel campo dei concerti con orchestra). Come è prassi del compositore russo di origine armena il concerto è pieno di richiami alla musica d’origine e alterna brani cantabili ad altri rutilanti senza un percorso armonico lineare ed è di qualità molto variabile fino al tempo finale dove un motivetto da fischiare durante una passeggiata viene riproposto ossessivamente fino allo sfinimento. Gringolts non ha fatto molto per migliorare la partitura. Dotato di eccellente tecnica estrae dal volino un suono tendenzialmente afono a mio parere udibile accettabilmente solo fino a metà della sala. Cosa confermata anche dall’unico bis (di autore a me ignoto – ma quando questi solisti impareranno ad annunciare i propri bis evitando di renderli una sorta di indovinelli?), una sorta di studio-capriccio basato su arpeggi con canto con un suono ancora più flebile del concerto. Forse (ma ribadisco forse) il violinista russo è più adatto a concerti da camera ma molto onestamente non è un esecutore che vorrei riascoltare. Roberto Abbado (che porta un cognome importante) è un ottimo professionista che ha saputo rendere pienamente lo stile gioioso della prima giovanile sinfonia di Šostakovič. In un certo senso una scoperta se raffrontata a una larga parte della letteratura del compositore russo che per motivi storici e personali ha infuso nelle proprie opere tristezza e ansia. Abbado è stato bravo a condurre l’orchestra in modo energico e soprattutto a valorizzare in pieno gli ottoni che sono strumenti di elezioni per il compositore russo (si ricordi in materia la bellissima sonata per tromba e pianoforte). Un buon (non eccezionale) successo di pubblico ma il programma non era di quelli che scatenano l’entusiasmo.

Programma

Aram Il’ič Khačaturjan Concerto per violino e orchestra in re minore
Dmitrij Dmitrievič Šostakovič Prima sinfonia in fa minore op. 1

Happy

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Ilya Gringolts appeared on stage wearing a rather rumpled grey striped jacket, in marked contrast to the ceremonial tailcoat worn by Roberto Abbado and the orchestra musicians. OK: clothes do not make the man, but it was certainly an unusual sight. Khachaturian’s violin concerto is not among his finest works, especially when compared, for instance, with the beautiful concerto for cello and Orchestra, to remain within the genre of concerto literature. As is typical of the Russian composer of Armenian origin, the concerto is filled with references to folk music and alternates lyrical, song-like pieces with more flamboyant and dazzling ones, without a clearly linear harmonic trajectory. Its quality is rather uneven, culminating in a final movement in which a little tune, suitable for whistling during a walk, is repeated obsessively to the point of exhaustion. Gringolts did little to enhance the score. Endowed with an excellent technique, he nevertheless draws from the violin a tone that strikes me as somewhat colourless and lacking projection, audible with any real clarity only up to the middle of the hall. This impression was confirmed by the sole encore (by a composer unknown to me. But when will these soloists learn to announce their encores instead of turning them into riddles?), a kind of étude-caprice based on arpeggiated figures with a singing line, played with an even fainter sound than in the concerto itself. Perhaps, and I stress perhaps, the Russian violinist is better suited to chamber music, but in all honesty he is not a performer I would be eager to listen to again. Roberto Abbado, who carries a distinguished family name, is a highly accomplished professional and succeeded in conveying the youthful exuberance of Shostakovich’s first symphony. In a sense, it comes as something of a revelation when compared with much of the russian composer’s compositions, in which historical circumstances and personal experiences infused so much anxiety and melancholy. Abbado conducted with vigour and, above all, brought out the brass section splendidly, an instrumental group particularly dear to Shostakovich (one needs only think of the magnificent sonata for trumpet and piano in this regard). The audience response was good, though not exceptional; the programme, after all, was not one likely to inspire unbridled enthusiasm.

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Trio Chimera – Bologna Conoscere la musica 21 Ottobre 2026

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Quando ero molto giovane non avevo il coraggio di smettere la lettura di un libro che non mi piaceva. Lo consideravo una rinuncia, una specie di sconfitta costringendomi a leggere fino all’ultima riga. Ho impiegato molto tempo a liberarmi da questo complesso scoprendo poi che in molti casi il libro aveva avuto una cattiva critica. Lo stesso mi è accaduto con i concerti: ho ascoltato fino alla fine esecuzioni che mi parevano scadenti fino a scoprire che in realtà era una tortura cui potevo sottrarmi. E’ il caso del concerto in questione: viene chiamato “trio” ma in realtà è risultato un concerto di pianoforte con l’accompagnamento flebile di due archi molto spesso da intuire più che da potere ascoltare. Come aggravante una eccessiva “esuberanza” della pianista. Il problema è che l’acustica della sala Biagi (come ho inutilmente segnalato più volte) richiede una attenta valutazione da parte degli strumentisti per permettere un corretto amalgama dei suoni evitando la sovraesposizione del pianoforte che dovrebbe suonare con il coperchio semiaperto e riducendo il suo volume. Come è accaduto nel bellissimo concerto della violoncellista Hoffman. Un vero peccato perché il programma era molto interessante e probabilmente il trio Chimera è una formazione di valore quando esegue in una sala dall’ottima acustica ma nel concerto in questione il risultato è stato pessimo. In ottemperanza alla mia consuetudine ho abbandonato la sala dopo il trio di Haydn e quindi la valutazione della performance non può che essere del tutto negativa.

PS Anche in un pubblico rarefatto non sono mancati i soliti maleducati che durante l’esecuzione accendono il cellulare. Segnalo inoltre che nelle ultime file non si sente quanto pronunciato sul palcoscenico per motivi di acustica. E’ quindi necesario utilizzare un microfono.

Programma

F.J.Haydn Trio in do maggiore Hob XV 27
Martinu Trio n.1 “Cinq pièces breèves”
Beethoven Trio in dominore op.1 n.5

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When I was very young, I never had the courage to stop reading a book once I had started it. I regarded doing so as a surrender, a kind of defeat, and therefore forced myself to read untl the last line. It took me a long time to free myself from this obsession, eventually discovering that in many cases the book had in fact received poor reviews. The same thing happened to me with concerts. I sat through performances that struck me as mediocre until the very end, only to realize later that they were, in fact, a form of torture from which I was perfectly free to escape. This was precisely the case with the concert in question. It was presented as a “trio,” but in reality it turned out to be a piano recital with the faint accompaniment of two string instruments whose presence often had to be inferred rather than actually heard. To make matters worse, there was the pianist’s excessive exuberance. The problem is that the acoustics of the Sala Biagi, as I have repeatedly and unsuccessfully pointed out, require performers to assess the balance of sound with great care in order to achieve a proper blend and avoid the piano dominating the texture. The instrument should be played with the lid half-open and with a more restrained dynamic level. This was exactly the approach taken in the wonderful concert by cellist Hoffman. It is a real pity, because the program was highly interesting and the Chimera Trio is probably an ensemble of considerable merit when performing in a hall with excellent acoustics. In the concert under review, however, the result was disastrous. In keeping with my usual practice, I left the hall after the Haydn Trio; consequently, my assessment of the performance can only be entirely negative.

P.S. Even among a small audience, the usual discourteous concertgoers were present: those who switch on their mobile phones during the performance. I should also note that from the last rows it is impossible to hear what is spoken from the stage because of the hall’s acoustics. The use of a microphone would be absolutely necessary.

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Kremerata baltica / Gidon Kremer – Bologna Musica Insieme 19 Ottobre 2026

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La Kremerata Baltica,

è un’ottima ed affermata formazione composta di giovani strumentisti capitanati da una vecchia gloria del violinismo che però non dimostra esecutivamente la sua età: Gidon Kremer. Innanzitutto la scelta del programma è stata di ottima qualità scegliendo autori e versioni musicali inconsuete: si pensi al brano di Biber, ai due quartetti (trascritti in versione orchestrale), agli autori baltici e ai brani di Piazzolla (di cui uno con vibrafono), un “darling” di Kremer. Tutti gli strumentisti sono di ottima qualità e vengono singolarmente scelti via via come solisti nei brani che lo prevedono. Non è ovviamente possibile una valutazione dei singoli: è il complesso che merita un applauso senza riserve. Un concerto più lungo del solito, un bis e un successo importante da parte del pubblico.

PS L’unica cosa che leggermente mi disturba – spcialmente in questi tempi di personalismi esasperati- è il nome. Se il leader fosse il ciccione americano si chiamerebbe “Trumpata newyorkese”?

Programma

Biber Battaglia a 10 per archi

Mahler Quartetto il la minore (trascrizione per orchestra dell’autore)

Beethoven Quartetto op. 95 (trascrizione per orchestra di Mahler)

Autori balitici Tre pezzi dedicata a Kremer

Piazzolla Celos & Fuga y Misterio, Tres minutos con la realidad, Grand Tang

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The Kremerata Baltica is an excellent and well-established ensemble made up of young musicians from the Baltic countries, led by a veteran violin legend who, remarkably, shows no sign of his age in performance: Gidon Kremer. First and foremost, the choice of programme was outstanding, featuring unusual composers and distinctive musical versions. One can think of the work by Biber, the two string quartets (performed here in orchestral transcriptions), the Baltic composers, and the pieces by Piazzolla (one of them featuring vibraphone), a particular “darling” of Kremer’s. All the musicians are of a very high standard, and individual players are selected in turn as soloists whenever the music calls for it. It is obviously not possible to assess each performer separately; rather, it is the ensemble as a whole that deserves unreserved applause. The concert was longer than usual, included an encore, and was met with considerable enthusiasm and a significant success with the audience.

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Yutaka Sato – Bologna Orchestra del comunale di Bologna 16 Ottobre 2026

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“Exegi monumentum aere perennius”.

Probabilmente Mahler si ricordò di questo verso di Orazio (l’autore latino che preferisco) dopo avere concluso la stesura della sua monumentale 9a sinfonia, che per molti versi costituisce l’ultimo elemento del percorso sinfonico del XVII-XVIII secolo, partendo da Haydn e Mozart e passando per Schubert, Beethoven, Schumann, Bruckner e Brahms (che peraltro aveva opinioni molto difformi da quelle del compositore boemo-viennese). Un percorso che certamente trova conclusione nella sinfonia in questione nella quale però non mancano accenni alle trasformazioni wagneriane e poi schönberghiane. La tensione armonica è palpabile in tutta l’opera che però si mantiene sempre in ambito tonale cedendo solo ad alcune armonie non classiche. La sinfonia è – come è inevitabile – contraddistinta da momenti di grande musica e altri nei quali la tensione musicale diminuisce (sempre Orazio a proposito dei due grandi poemi dell’età classica afferma che “quandoque dormitat bonus Homerus”). Sono presenti le classiche scelte Mahleriane ovvero motivi popolari declinati in modo sinfonico (si ricordi in proposito anche la 1a sinfonia) e non manca un tributo molto importante alle forme più classiche quali la fuga. La conclusione della sinfonia certamente accenna alla conclusione dell’esperienza terrena di Mahler che non fu mai in grado di ascoltane l’esecuzione. Eseguire (e dirigere) la 9a sinfonia è un impegno gigantesco come dimostra la prolungata sua assenza nei cartelloni sinfonici e un plauso va all’orchestra del comunale (nella quale non sono mancate alcune piccole incertezze dei corni) e al direttore Yutaka Sato che trova i suoi momenti migliori nelle parti più rutilanti mentre è leggermente carente nelle parti più intimistiche. Comunque un’ottima esecuzione premiata da un prolungato applauso da parte del pubblico.

Programma

G Mahler 9a sinfnoni in re maggiore – re bemolle maggiore

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“Exegi monumentum aere perennius”..

Very likely Mahler recalled this verse by Horace (my favorite Latin author) after completing his monumental Ninth Symphony, which in many respects represents the final chapter of the great symphonic tradition of the eighteenth and nineteenth centuries, beginning with Haydn and Mozart and continuing through Schubert, Beethoven, Schumann, Bruckner, and Brahms, who, incidentally, held views quite different from those of the Bohemian-Viennese composer. It is a journey that undoubtedly reaches its culmination in this symphony, although hints of the transformations brought about first by Wagner and later by Schoenberg are also present. The harmonic tension is palpable throughout the work, which nevertheless remains firmly rooted in tonality, yielding only occasionally to non-classical harmonies. As is perhaps inevitable, the symphony is characterized by moments of extraordinary inspiration and others in which the musical tension relaxes. Horace himself, speaking of the two great epics of classical antiquity, remarked that “quandoque dormitat bonus Homerus” Mahler’s characteristic stylistic choices are very much in evidence, notably the use of folk-inspired tunes transformed into symphonic material, as already seen in the First Symphony. Nor is there any lack of homage to more traditional forms, particularly the fugue. The conclusion of the symphony clearly alludes to the end of Mahler’s earthly journey, a work whose performance he was never able to lsten to. Performing, and conducting, the Ninth Symphony is a gigantic undertaking, as demonstrated by its relative rarity in symphonic programming. Particular praise is therefore due to the Orchestra of the Teatro Comunale, despite a few minor uncertainties in the horn section, and to conductor Yutaka Sato. Sato is at his best in the more brilliant and exuberant passages, while proving slightly less convincing in the most intimate moments. Nevertheless, it was an excellent performance, rewarded with prolonged and enthusiastic applause from the audience.

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Hoffman/Ciuffreda – Bologna Conoscere la musica 14 Ottbre 2026

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Molto raramente,

nelle mie recensioni attribuisco le tre icone positive a un concerto ma in questo caso la performance del duo le merita ampiamente. In primo luogo la scelta felice del collocamento reciproco dei due strumenti di tipo classico (e non quello moderno con il violoncello di spalle al pianista e sulla stessa linea) in uso fino ad alcune decine di anni fa. La scelta è a mio giudizio quanto mai opportuna per due motivi. Il primo è perché non toglie assolutamente nulla alla fusione dei due strumenti (anzi) e nel caso specifico della sala Biagi attenua il volume del pianoforte che spesso risulta eccessivo. Il secondo è perché non si capisce, nella collocazione moderna, perché i due strumentisti non abbiano la possibilità di coordinarsi anche visivamente. In secondo luogo la scelta del programma è stata quanto mai felice: tre brani raramente presenti nei concerti di violoncello (forse l’unica abbastanza eseguita è la sonata del compositore russo.). Non conoscevo (mea culpa) il brano di Barber che è veramente bellissimo. Il compositore americano è quasi unicamente noto per il “largo” (declinato in tutte le possibili trascrizioni) mentre ha un vasto repertorio cameristico: in aggiunta alla bellissima sonata per violoncello e piano segnalo la sonata per pianoforte raramente eseguita. Purtroppo, ingiustamente, il pubblico era in questa occasione colpevolmente “rarefatto” perché la comprensione dello strumento a corda richiede una sensibilità musicale molto spesso carente in un pubblico che si esalta solo per i funambolismi tecnici pianistici e soprattutto per brani che già conosce. Le sonate eseguite richiedono al violoncello ( ma anche al piano) una tecnica di altissimo livello assolutamente paragonabile ai funambolismi succitati. Di Hoffman possiamo dire che dispone di una tecnica sopraffina (non una sola mancata intonazione in brani con salti di ottave) e che riesce a estrarre dal violoncello un suono pieno con un vibrato assolutamente di primissimo ordine. Brava sotto ogni aspetto. Altrettanto ovviamente brava la pianista che ha dimostrato ottima tecnica e la capacità di interpretare senza incertezze lo stile dei brani eseguiti e soprattutto la capacità di amalgamarsi perfettamente con lo strumento a corda. Non è il caso di una esegesi specifica dell’esecuzione delle singole sonate: una esecuzione impeccabile sotto ogni profilo. Possiamo sperare di ascoltare presto nuovamente il duo facendo voti che il pubblico sappia apprezzare appieno le due soliste.

PS Anche in un pubblico rarefatto non sono mancati i soliti maleducati che durante l’esecuzione accendono il cellulare. Segnalo inoltre che nelle ultime file non si sente quanto pronunciato sul palcoscenico per motivi di acustica. E’ quindi necesario utilizzare un microfono.

Programma

S.Barber Sonata per violoncello e piano op.6
B.Britten Sonata per violoncello e piano op.65
D. Shostakovich Sonata per violoncello e piano op.40

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Very seldom I do award the full three positive icons to a concert in my reviews, but in this case the duo’s performance fully deserves them. First of all, I greatly appreciated the decision to place the two instruments in the traditional classical arrangement, rather than the modern one in which the cellist sits with his back to the pianist and on the same line. This older setup, commonly used until a few decades ago, is, in my opinion, particularly appropriate for two reasons. The first is that it does absolutely nothing to diminish the blend between the two instruments; on the contrary, it may even enhance it. In the specific acoustics of Sala Biagi, it also helps moderate the piano’s volume, which can often sound excessive. The second is that the modern arrangement deprives the performers of the possibility of coordinating visually, and it is difficult to understand why such an important aspect of chamber music interaction should be sacrificed. Secondly, the choice of program was exceptionally successful: three works that are seldom heard in cello recitals, with perhaps only the Russian composer’s sonata enjoying a reasonably established place in the repertoire. I was not familiar with excellent Barber’s work (mea culpa), and it proved to be truly magnificent. The American composer is known almost exclusively for his Largo (in its countless arrangements), yet he produced a substantial body of chamber music. Alongside the splendid Sonata for Cello and Piano performed here, I would also draw attention to his Piano Sonata, another remarkable work that is heard far too infrequently. Unfortunately, and rather unjustly, the audience on this occasion was regrettably sparse. Appreciating the cello requires a degree of musical sensitivity that is too often lacking among listeners who become excited only by pianistic virtuosity and, above all, by works they already know. The sonatas on the program demand from the cellist, as well as from the pianist, a level of technical mastery fully comparable to the virtuoso exploits that audiences so readily applaud. As for Hoffman, one can say without hesitation that she possesses a superb technique. Throughout works that contain numerous octave leaps, there was not a single lapse in intonation. Moreover, she drew from the cello a rich, full-bodied sound supported by vibrato of the very highest quality. Outstanding in every respect. Equally deserving of praise was the pianist, who demonstrated excellent technique, a secure understanding of the stylistic language of each work, and, above all, an exceptional ability to blend seamlessly with the string instrument. There is little need for a detailed analysis of the individual sonatas: the performances were impeccable from every standpoint. One can only hope to hear this duo again very soon, and to wish that next time the public will fully appreciate the artistry of these two outstanding musicians. As an encore, the artists offered a Schumann piece.

P.S. Even among a small audience, the usual discourteous concertgoers were present: those who switch on their mobile phones during the performance. I should also note that from the last rows it is impossible to hear what is spoken from the stage because of the hall’s acoustics. The use of a microphone would be absolutely necessary.

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Sinfonica

Solisti aquilani/Campanella – Bologna Musica Insieme 7 Ottobre 2026

Medici senza frontiere

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Francamente,

dal concerto inaugurale della stagione 2026-2027 ci saremmo apettatti molto di più anche perché il resto della stagione del quarantennale promette molto bene. Il concerto per piano e orchestra di Casella vede il ruolo del pianoforte alla stregua di quello giocato nel brano di Taralli, ovvero uno degli strumenti dell’orchestra. Quanto al brano Lìsztiano non è un caso che sia pochissimo eseguito. “Quandoque bonus dormitat Homerus” e l’esecuzione di Campanella – vecchia gloria del pianismo virtuosistico italiano – nel ruolo di Konzermeister non è certo riuscita a rivitalizzarlo. Gli anni passano per tutti (a parte alcuni casi come quello di un Rubinstein novantenne a Bologna che fece faville). Che dire del brano di Taralli? Non resterà negli annali della musica. Si inscrive nel solco del rinnovanto interesse per la musica tonale (dopo gli eccessi del dodecafonismo e di autori come Webern) ma manca di una sua specifica personalità. Alla fine il trittico botticelliano del compositore bolognese è risultato il brano più interessante, con tutti i limiti della musica a programma. Bravi come sempre i solisti aquilani anche se il giovane direttore ha ancora molta strada da percorrere (ma che servono due braccia a dirigere se l’una è lo specchio dell’altra?).

Programma

Casella Concerto per archi, piano e percussioni

Liszt Malédictions

Taralli Piccola suite in stile antico

Respighi Trittico botticelliano

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(Giovanni Neri 80)

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Frankly, we expected much more from the opening concert of the 2026-2027 season, especially since the rest of the fortieth-anniversary season looks very promising. Casella’s Concerto for Piano and Orchestra assigns the piano a role similar to that played in Taralli’s work, namely that of one instrument among the many voices of the orchestra. As for the Lisztian piece, there is a reason why it is so rarely performed. Quandoque bonus dormitat Homerus (“Even Homer sometimes nods”), and Campanella’s performance, a former glory of Italian virtuoso pianism, cas Konzertmeister ertainly failed to breathe new life into it, in his role as soloist. Time catches up with everyone, apart from rare exceptions such as Rubinstein, who, at the age of ninety, dazzled the audience in Bologna. What can be said about Taralli’s piece? It is unlikely to remain in the annals of music. It belongs to the current revival of interest in tonal music, following the excesses of dodecaphonic compositions and composers such as Webern, but it lacks a distinctive and unmistakable personality of its own. In the end, the Botticellian triptych by the Bolognese composer proved to be the most interesting work of the program, despite all the limitations inherent in the musica a programma. As always, the Solisti Aquilani performed admirably, although the young conductor still has a long way to go. After all, what is the point of conducting with two arms if one merely mirrors the other?

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Sinfonica

Olaf John Laneri – Bologna Conoscere la musica 30 Settembre 2026

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Laneri è un buon pianista con luci ed ombre. Possiamo dire subito che è dotato di una bella tecnica sicura, un tocco sgranato e brillante e non mi stupisce che qualcuno abbia affermato che la sua esecuzione delle trascendentali variazioni Brahms-Paganini siano state le migliori ascoltate (ma forse questa affermazione potrebbe far sorgere qualche dubbio ricordando la prestigiosa performance di Benedetti Michelangeli – anche se piagata dalla variazione finale non filologica). Le sue doti tecniche si sono evidenziate soprattutto nel secondo tempo della fantasia schumanniana (caratterizzata dal ritmo puntato tanto caro al compositore di Zwickau) e segnatamente nel finale virtuosistico con salti di trascendentale difficoltà. Un discorso differente vale per l’aspetto interpretativo. Laneri è un pianista “roccioso” che nelle parti più cantabili manca di quella capacità di moderare intensità sonore e il ritmo. I primi due tempi della fantasia di Schumann sono stati eseguiti correttamente mentre l’ultimo – che definirei “”sognante” – non ha trasmesso quell’atmosfera che sicuramente era nell’intento del compositore, sia per un volume di suono sempre giocato sul mezzoforte e non sul piano e per un tempo esecutivo decisamente eccessivo. Il dicorso vale a più ragione per le ballate di Brahms. La prima – in particolare – evoca una sorta di incantamento e di straniamento che è mancata all’esecuzione di Laneri sempre per i motivi suesposti. Le ballate – composizioni iniziali di Brahms – sono una sorta di “unicum” nel repertorio del compositore proprio per il tono vagamente ultraterreno e richiedono molta più sensibilità e un senso di raccoglimento evocativo mancati nell’esecuzione di Laneri. Ovviamente nessun appunto all’interpretazione del brano chopiniano dove le doti tecniche sono prevalenti. Stranamente le doti di cantabilità e i toni smorzati hanno caratterizzato i due bis. Ottimo successo di pubblico (ma la polacca brillante è fatta proprio per entusiasmare).

Programma

Robert Schumann Fantasia op. 17
Johannes Brahms 4 Ballate op. 10
Fryderyk SChopin Andante spianato e polacca brillante op. 22

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(Giovanni Neri 80)

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Laneri is a fine pianist, though one with both strengths and weaknesses. It can be said at once that he possesses a solid and reliable technique, a clear and brilliant touch, and it does not surprise me that someone has claimed his performance of the transcendental Brahms–Paganini Variations was the finest they had ever heard. Such a statement, however, may raise some doubts when one recalls the distinguished performance by Arturo Benedetti Michelangeli, even if marred by a non-authentic treatment of the final variation. His technical gifts were particularly evident in the second movement of Schumann’s Fantasy, characterized by the dotted rhythm so dear to the composer from Zwickau, and especially in the virtuosic finale, with leaps of almost transcendental difficulty. A different discussion applies to the interpretative aspect. Laneri is a rather “rock-solid” pianist who, in the more lyrical passages, lacks the ability to moderate both dynamics and rythm. The first two movements of Schumann’s Fantasy were performed correctly, whereas the final movement, which I would describe as dreamlike, failed to convey the atmosphere that was undoubtedly intended by the composer. This was due both to a sound level consistently maintained around mezzoforte rather than piano, and to an excessively rythm. This observation applies even more strongly to the Brahms Ballades. The first Ballade in particular evokes a sense of enchantment and estrangement that was absent from Laneri’s performance, for the reasons already mentioned. The Ballades, among Brahms’s early compositions, are something of a unique case within the composer’pieces precisely because of their vaguely otherworldly character. They require far greater sensitivity and a deeply evocative sense of inward contemplation, qualities that were lacking in Laneri’s performance.Naturally, no reservations can be expressed regarding his interpretation of the Chopin work, where technical accomplishment is the predominant requirement. Curiously enough, the qualities of “cantabile” playing and subdued tonal colouring emerged instead in the two encore pieces.The concert was very warmly received by the audience, although the Polonaise Brillante is, after all, exactly the sort of work designed to generate enthusiasm.

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Sinfonica

Elisir d’amore- Venezia Malibran 28 Agosto 2026

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E’ del tutto ovvio

.. che l’ “Elisir d’amore” è una favoletta leggera e sostanzialmente insulsa ma proprio per questo motivo è fondamentale una regia in grado di evitare di trasformarla in un “musical” con passi di danza a tutto palcoscenico, la presenza di majorettes (nell’età in cui si svolge l’azione!) etc. Insomma una sorta di buffonata perfetta per palati non troppo sofisticati che alle trovate registiche applaude sonoramente. E’ vero che una larga maggioranza degli spettatori dell’opera erano turisti sufficientemente soddisfatti di essere in un teatro veneziano ma anche a questo pubblico si dovrebbe il dovuto rispetto, ricordando che ci sono anche spettatori non turistici. .

La ripresa quindi della scenografia e della regia di venti anni orsono mostra tutta la sua vetustà.
Poi se il pubblico è soddisfatto di “panem et circenses” non c’è molto altro da obiettare se non rammaricarsi di quanto proposto e ricordare ben altre regie del capolavoro (sì, perché musicalmente l’opera donizzettiana è un gioiellino). Quindi è dl tutto inutile fare un’esegesi accurata di quanto rappresentato. Per molti aspetti converrebbe chiudere gli occhi e ascoltare soltanto orchestra e voci. Ma anche su questo la situazione non è rosea.

La direzione di Francesco Ivan Ciampa è nell’ambito di una buona professionalità ma niente di più (veramente niente ..). Un discorso molto più articolato vale per le voci. Un’ottima prova di Gilda Fiume nella parte di Adina soprattutto nell’ultimo duetto con Nemorino ha saputo trovare gli accenti giusti e ha sfoderato una notevole personalità interpretativa. Un discorso diverso vale per il Nemorino di Valerio Borgioni. Al di là di tutti gli sforzi interpretativi la voce è quella che è: molto ingolata che trova una buona collocazione quando l’emissione è nei mezzi toni ma fallisce non appena sale di volume e di altezza della partitura. Una prova appena al disopra della sufficienza. Nella norma il Dulcamara di Bruno Taddia (ma perché agghindarlo come un Mefistofele mentre si tratta di un imbonitore che deve farsi benvolere dai paesani?) e il Belcore di Alessandro Luongo. Finale applauditissimo dal pubblico già valutato precedentemente e amen.

CAST

Adina GILDA FIUME
Nemorino VALERIO BORGIONI
Belcore ALESSANDRO LUONGO
Il dottor Dulcamara BRUNO TADDIA
Giannetta BARBARA MASSARO
Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
Direttore Francesco Ivan Ciampa
Maestro del Coro Alfonso Caiani
Regia Bepi Morassi
Scene e costumi Gianmaurizio Fercioni
Luci Vilmo Furian riprese da Andrea Benetello
Movimenti coreografici Barbara Pessina
Allestimento Fondazione Teatro La Fenice

PS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti.

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(Giovanni Neri – 80)

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It is perfectly obvious… that L’elisir d’amore is a light, essentially frivolous little fairy tale; and precisely for this reason it is crucial to have a staging capable of avoiding the transformation of the piece into a “musical,” complete with full‑stage dance routines, majorettes (in the historical period in which the action is set!), and so on. In short, a kind of buffoonery tailor‑made for audiences with not‑too‑refined tastes, who applaud loudly at every directorial gimmick. It is true that a large majority of the opera’s audience consisted of tourists, sufficiently satisfied simply to be in a Venetian theatre, but even this public deserves due respect—especially considering that there are also non‑tourist spectators. The revival of a twenty‑year‑old staging and direction shows all its age.

If the audience is content with panem et circenses, there is not much more to object to, except to regret what has been offered and to recall far superior productions of this masterpiece (yes, because musically Donizetti’s opera is a little gem). It is therefore entirely pointless to attempt a detailed exegesis of what was presented. In many respects, one would do better to close one’s eyes and listen only to the orchestra and voices. But even on that front, the situation is not rosy.

Francesco Ivan Ciampa’s conducting is professionally competent, but nothing more (truly nothing…). A much more nuanced discussion is needed for the singers. Gilda Fiume gave an excellent performance as Adina, especially in the final duet with Nemorino, where she found the right accents and displayed notable interpretive personality. A different matter altogether is Valerio Borgioni’s Nemorino. Despite all his interpretive efforts, the voice is what it is: very throaty, well placed only in medium dynamics, and failing as soon as the volume and tessitura rise. A performance just above the threshold of adequacy. Bruno Taddia’s Dulcamara was serviceable (though why dress him up like a Mephistopheles when he is a quack who needs to ingratiate himself with the villagers?), as was Alessandro Luongo’s Belcore. The finale was greeted with thunderous applause from the audience already described above, and so be it.

PS. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background

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Spostamento concerto Zhang Messa dal 14 Luglio al 15 Luglio 2026 – Bologna Pianofortissimo e Talenti 10 Luglio 2026

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Il concerto in questione è stato spostato dal Bologna Festival per “cause di forza maggiore” (situazione meteorologica in Cina) al giorno successivo senza rimborso. Chi come il sottoscritto non può partecipare al concerto di fatto perde il costo del biglietto. Ora è del tutto implausibile che dalla Cina non si riesca a raggiungere l’Italia IN 4 GIORNI. La “causa maggiore” sarebbe stata plausibile domenica e non oggi 10 Luglio. Come minimo se si voleva evitare il rimborso doveva essere essere emesso un “bonus” da utilizzare in seguito. Un comportamento poco serio da stigmatizzare senza incertezze.

PS In realtà la cosa era già nota il 9 Luglio, 5 (cinque!) giorni prima della data prevista per il concerto. Tutti i voli dalla Cina sono stati bloccati per 5 giorni? E Zhang avrebbe speso i soldi del volo per un solo concerto? E perché il 15 Luglio il concerto verrà effettuato? Non sussistono le stesse ipotetiche condizioni atmosferiche? Ovviamente la scusa della “forza maggiore” è priva di fondamento.

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Maya Oganyan – Bologna Pianofortissimo e Talenti 9 Luglio 2026

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Possiamo certamente dire,

che si è trattato di un concerto interessante di una giovanissima interprete e con un programma certamente ritagliato sulle sue caratteristiche precipue. Parlo di Scrjabin nell’interpreazione dei tre brani del quale ha dato il meglio di sé. Ottima tecnica, capacità di interpretare la poetica del compositore russo, esuberanza giovanile che nel caso specifico assume un connotato positivo. Scrjabin è un compositore “fuori dal coro” del suo tempo che non fa riferimento né alle avanguardie né al conservatorismo in un periodo a cavallo dei due secoli culturalmente molto ricco ma anche molto controverso. Oganyan ha trovato la cifra giusta per rendere appieno il suo spirito forse anche per la sua estrazione culturale russa. Il concerto ha visto anche tre brani di Chopin con risultati alternanti. Buona l’interpretazione dello scherzo e della fantasia (che ha certamente risentito molto dei consigli dei suoi attuali mentori) mentre il notturno è risultato sfigurato da un eccesso di velocità e sonorità trasformando il “notturno” in un rumoroso “diurno”. Giovanile eccesso? Forse ma il processo di studio e maturazione deve imporre una maggiore consapevolezza della tipologia del brano eseguito. Il concerto è iniziato con tre preludi e la famosa “L’ Isle joyeuse” di Debussy. Mentre i preludi sono stati eseguiti in modo più che accettabile (ma la ricerca delle sonorità equoree del compositore francese ha ancora molta strada da percorrere) l’Isle è stata eseguita in modo del tutto inaccettabile. Si tratta di un brano del tutto particolare che si inquadra con difficoltà nel percorso culturale del compositore francese. Qui l’eccesso di velocità (si pensi solo agli episodi con la ritmica puntata), le sonorità rutilanti e la galoppata musicale nulla hanno a che vedere con Debussy per il quale è sempre necessario ricordare il contesto culturale e la specifica sensibilità. Non è un brano facile in cui trovare il giusto equilibrio ma nel caso della Oganyan siamo completamente fuori. Buon successo di pubblico che nei tre brani di Chopin ha applaudito dopo lo scherzo e la fantasia e non si è accorto della fine del notturno: scatta l’applauso solo dopo un brano forte e veloce. Senza commenti. Buon successo e due bis.

Programma

- Claude Debussy La fille aux cheveux de lin / Ondine / La cathédrale engloutie dai Préludes, Livre I, Livre II
- Claude Debussy L’isle joyeuse
- Aleksandr Skrjabin Sonata n.2 in sol diesis minore op.19 “Sonate-fantaisie”
- Aleksandr Skrjabin Poème op.32 n.1
- Aleksandr Skrjabin Sonata n.9 op.68 “Messe noire”
- Fryderyk Chopin Scherzo n.3 in do diesis minore op.39/ Notturno op.48 n.1/ Fantasia op. 49

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We can certainly say that this was an interesting concert by a very young performer, with a programme clearly tailored to her specific sensibility. I am referring to Scrjabin: in the three pieces she offered the very best of herself. Excellent technique, an ability to convey the composer’s poetic world, and a youthful exuberance which, in this case, takes on a positive connotation. Scrjabin is a composer “outside the mainstream” of his time, one who aligns neither with the avant‑garde nor with conservatism in a culturally rich yet highly controversial period straddling two centuries. Oganyan found exactly the right approach to fully capture his spirit, perhaps also thanks to her own Russian cultural background.The concert also included three works by Chopin, with different results. The performance of the Scherzo and the Fantaisie was good (and clearly benefited from the advices of her current mentors), whereas the Nocturne was disfigured by excessive speed and sonority, turning the “nocturne” into a noisy “diurnal”. A youthful excess? Perhaps — but the process of study and maturation must lead to greater awareness of the nature of the piece being performed.The concert opened with three Debussy’s Preludes and the famous Isle joyeuse. While the Preludes were played more than acceptably (though the search for Debussy’s aqueous sonorities still has a long way to go), the Isle joyeuse was performed in a wholly unacceptable manner. It is a very particular piece, difficult to place within the French composer’s cultural trajectory. Here, the excessive speed (one need only think of the dotted‑rhythm passages), the glittering sonorities, and the headlong musical gallop have nothing to do with Debussy, for whom the cultural context and specific sensitivity must always be kept in mind. It is not an easy piece in which to find the right balance, but in Oganyan’s case we are completely off track.The audience response was positive, though in the three Chopin pieces they applauded after the Scherzo and the Fantasie and did not realise the Nocturne had ended: applause only comes after a loud, fast piece. No comment. A good success overall, with two encores.

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Trio RInaldo – Bologna Pianofortissimo e Talenti 6 Luglio 2026

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E’ un vero piacere…

…..ascoltare un giovane ed entusiasta trio che pur negli inevitabili limiti giovanili dimostra di essere avviato su un percorso di qualità. La scelta del programma è certamente particolare. Dedicare un intero concerto a Dvořák è singolare e forse non felice perché non permette di formulare un giudizio più ampiamente compiuto come sarebbe auspicabile per una formazione agli inizi della carriera. Ma ci sono elementi molto positivi. In primo luogo il bilanciamento delle sonorità. Siamo purtroppo abituati, quando il pianoforte è coinvolto, a sonorità sovrastanti dello strumento. Non è questo il caso: Lorenzo Rossi ha saputo dosare opportunamente il volume di suono dello strumento a percussione per permettere una buon amalgama del complesso. Certamente fra i tre strumentisti emerge il violoncello di Rebecca Ciogli capace di estrarre dallo strumento un suono pieno e sempre perfettamente intonato. La sua esuberanza trascina l’intero complesso dando al complesso quella vitalità che ne è la cifra interpetativa più positiva. E’ questo un complesso che auspichiamo possa essere riascoltato (magari includendo Beethoven e Schubert, per fare un esempio) per valutarne la maturazione. Comunque un concerto interessante giustamente premiato dal non foltissimo pubblico terminato con un bis. Sarei comunque curioso di sapere a cosa si deve il nome “Rinaldo” del trio….

Programma

Antonín Dvořák Trio n.1 in si bemolle maggiore op.21
Antonín Dvořák Trio n.4 in mi minore op.90 “Dumky”

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(Giovanni Neri 80)

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It is a genuine pleasure to listen a young and enthusiastic trio that, despite the inevitable limitations of youth, clearly demonstrates that it is on a promising path toward artistic excellence. The choice of programme is certainly unusual. Dedicating an entire concert to Dvořák is distinctive, though perhaps not the happiest decision, as it does not allow for a more comprehensive assessment of an ensemble at the beginning of its career, something that would have been desirable. Nevertheless, there are many positive aspects. First and foremost is the balance of sound. All too often, when the piano is involved, we are accustomed to hearing it dominate the ensemble. That was not the case here: Lorenzo Rossi skilfully controlled the instrument’s dynamic range, allowing for an excellent blend among the three musicians. Among the performers, Rebecca Ciogli’s cello stands out in particular. She draws from her instrument a rich, warm tone that remains consistently and impeccably in tune. Her exuberance inspires the entire ensemble, giving it the vitality that is perhaps its most distinctive interpretative hallmark. This is a trio that one hopes to hear again—perhaps in a programme including Beethoven and Schubert, to name just two composers—in order to appreciate its artistic development. In any case, it was an engaging concert, rightly rewarded by the appreciative, if not particularly large, audience, and concluded with an encore. I would, however, be curious to know the origin of the trio’s name, “Rinaldo.

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Venere e Adone – Venezia La Fenice 26 Giugno 2026

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Ecco il caso…….

………….. di un ‘opera che non so recensire. Debbo confessare che credo che mi manchino gli strumenti interpretativi e quindi evito di addentrarmi in un terreno incognito, ammettendo la mia incompetenza.

Per questo motivo cedo il passo a chi ha magiore dimestichezza con questo autore: invito a leggere la seguente recensione di Carla Moreni sul Sole 24 ore di domenica o https://www.giornaledellamusica.it/recensioni/a-venezia-va-in-scena-il-naufragio-di-un-mito

Il mio unico contributo è che francamente l’opera non mi è piaciuta anche se sono rimasto fino alla fine a differenza di molti spettatori: quelli rimasti hanno tributato un caloroso applauso.

Spero di essere maggioremente in grado di rccensire i prossimi concerti o opere cui assisterò, scusandomi.

direttore Kent Nagano
regia Georges Delnon
scene Varvara Timofeeva
costumi Marie-Thérèse Jossen
light designer Carsten Sander
video designer Marcus Richardt

Orchestra del Teatro La Fenice

allestimento Hamburgische Staatsoper
con sopratitoli in italiano e in inglese

Cast

Amore Kady Evanyshyn
Venere Layla Claire
Adone Randall Scotting
Marte Matthias Klink
Vulcano Cody Quattlebaum
La fama Nicholas Mogg / Vera Talerko
Il mostro Evan Hughes

prologo ed epilogo
Livia Rado soprano
Francesca Gerbasi contralto
Paolo Mascari tenore
Francesco Milanese basso

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Venezi e Scappucci – 24 Giugno 2026

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Invito…

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Uladzislau Khandohi – Bologna Pianofortissimo 22 Giugno 2026

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Un vecchio detto dei tennisti ..

….. è “per vincere bisogna tirare forte e sulle righe”… La massima (trasformata) potrebbe essere applicata a Khandohi che suona quasi sempre forte e alla massima velocità. Fa parte di quei giovani muscolari che la musica non la eseguono ma la assaltano come un fortino da espugnare. OK: ma la musica, il suo significato, il suo valore artistico dove sono? E’ quello che si chiede chi ascolta Khandohi. Inizia con un notturno chopiniano eseguito inizialmente a una lentezza esasperante ma dopo poche battute si scatena “lo spirto guerrier che entro gli rugge” (da Alfieri) e il povero notturno è bombardato da sonorità del tutto eccessive che lo rendono un “diurno” (fragoroso). Dello stesso autore la seconda sonata. Qui l’eccesso di velocità nel primo tempo sfigura il significato musicale del brano. Un po’ migliore il secondo tempo (ma sempre con gli stessi errori stilistici) e la marcia funebre. Non accettabile invece il tenebroso quarto tempo dove l’unisono delle due mani non trova l’equilibrio necessario. Il nostro si ascolti la registrazione di Benedetti Michelangeli per capire come andrebbe eseguito. Si passa a Liszt con le “reminiscences” di Norma. Forse una delle peggiori parafrasi Lisztiane di fatto incentrata quasi tutta sul finale dell’opera “Donna celeste” dimenticando l’aria più bella e famosa dell’opera “Casta diva”. L’approccio interpretativo non cambia. Ottave d’acciaio del pianista ma poco d’altro. E lo stesso dicasi per la farraginosa sonata di Rachmaninov giustamente poco frequentata per la sua discontinuità (e francamente il Faust indicato dal compositore non è facile trovare). Seguono i bis. Ne ho ascoltati solo i primi due, essendomi già fatto un’idea precisa dell’esecutore. Ma anche la scelta dei bis è indice dell’intelligenza di un pianista: non si possono eseguire solo brani virtuosistici (come la “Danse macabre”) e di notevole lunghezza (anche se non dimentico che nel 1979 Pollini a a Londra eseguì integralmente come bis l’op. 81 di Beethoven “Les adieux” – ma era Pollini nel periodo del suo massimo splendore…..). La ricerca di un facile successo presso un pubblico certamente poco smaliziato va a detrimento dell’intelligenza artistica di un esecutore (cui suggerirei anche una maggiore compostezza durante le esecuzioni). Il confronto con l’eccellente pianista che lo ha preceduto nella rassegna – Izik-Dzurko – sarebbe impietoso.

Programma

Fryderyk Chopin Notturno in do minore op.48 n.1
Fryderyk Chopin Sonata n.2 in si bemolle minore op.35
Franz Liszt Réminiscences de Norma S. 394
Sergej Rachmaninov Sonata n.1 in re minore op.28

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An old saying among tennis players goes: “to win, you have to hit hard and on the lines.” The say (slightly adapted) could well apply to Khandohi, who plays almost always loudly and at maximum speed. He belongs to that group of muscular young performers who do not interpret music but rather assault it, as if it were a fortress to be conquered. Fine: but where are the music, its meaning, its artistic value? That is what anyone listening to Khandohi inevitably asks. The concert begins with a Chopin nocturne, initially taken at an exasperatingly slow tempo, but after just a few bars “the warrior spirit roaring within him” (to quote Alfieri) breaks loose, and the poor nocturne is bombarded with utterly excessive sonorities that turn it into a (thunderous) “diurnal.” From the same composer comes the Second Sonata. Here, the excessive speed in the first movement distorts the musical meaning of the piece. The second movement is somewhat better (though still marred by the same stylistic errors), as is the Funeral March. The fourth movement, however—dark and elusive by nature—is unacceptable: the unison between the two hands never finds the necessary balance. He should listen to Benedetti Michelangeli’s recording to understand how it ought to be played.We then move on to Liszt, with the Réminiscences of Norma. Perhaps one of Liszt’s least successful paraphrases, essentially focused almost entirely on the opera’s finale (“Donna celeste”), while forgetting its most beautiful and famous aria, Casta diva. The interpretative approach does not change. The pianist’s steel‑forged octaves are there—but little else.The same can be said of the convoluted Rachmaninov Sonata, rightly seldom performed because of its unevenness (and frankly, the Faust the composer claims to depict is not easy to discern). Then come the encores. I listened only to the first two, having already formed a clear idea of the performer. But even the choice of encores reveals a pianist’s intelligence: one cannot offer only virtuosic pieces (such as the Danse macabre) and of considerable length. Granted, I have not forgotten that in 1979 Pollini in London played Beethoven’s entire Op. 81 Les adieux as an encore—but that was Pollini at the height of his success). The pursuit of easy success with an undoubtedly unsophisticated audience comes at the expense of an artist’s intelligence (to whom I would also suggest greater composure during performances). The comparison with the excellent pianist who preceded him in the series — Izik‑Dzurko — would be merciless.

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Enrico di Borgogna – Venezia teatro Malibran 20 Giugno 2026

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Opera giovanile di Donizetti (e riesumata solo recentemente)…

….. mostra tutta l’inesperienza del giovane musicista alle prese con un libretto che forse voleva essere “serio” ma che presenta anche un carattere giocoso: in una delle sue figure forse voleva fare il verso a Leporello. Peraltro di citazioni è piena l’opera: in primis Rossini con due “crescendo” rossiniani nell’ouverture e nel primo atto, e il “cheti cheti” all’inizio del secondo atto, a Mayr, al teatro barocco con un protagonista maschile impersonato da una soprano etc. Non mancano però indicazioni di quelle che saranno in seguito le caratteristiche musicali delle opere donizzettiane. Insomma una sorta di “prova d’artista” che non manca talvolta di una sua freschezza che ben si presta alla soluzione registica scelta.

Quello che forse nell’intento degli autori doveva essere un dramma serio è qui trasformato in una sorta di “opera buffa”anche con l’artifizio ormai troppo sfruttato del “teatro nel teatro”. Tutti i personaggi si comportano come una parodia del teatro drammatico, nei gesti e nelle espressioni. La scelta registica è quella di mostrare anche il “retro” del teatrino con un regista che smania nel tentativo di imporre una sua visione ai vari cantanti e i cantanti stessi che baruffano, si preparano all’entrata in scena e in un caso amoreggiano. Ma è una finzione che mostra rapidamente la corda con una sorta di ripetitività che finisce per annoiare anche se – ovviamente – è molto gradita da un pubblico non troppo smaliziato.

Le voci non sono tutte all’altezza . Mentre un’ottima performance è quella di Dave Monaco come Guido (il “cattivo” di turno) e anche quella di Omar Montanari come Gilberto (il “Leporello” dell’opera), meno brillante è risultata la figura di Enrico, una Teresa Iervolino che è mancata in alcune delle arie principali. Lo stesso dicasi per Giuseppina Bridelli come Elisa. Tutti gli altri protagonisti hanno dimostrato una buona professionalità a parte Christian Collia come Pietro, la cui voce non ha mai raggiunto il livello della sufficienza.

Una buona prestazione del direttore Corrado Rovaris cui va imputato però un eccessivo ritmo che ha messo talvolta a dura prova i cantanti. Per il resto un’opera diventata buffa cui attribuire una risicata sufficienza. Ovviamente successo di pubblico.

PS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti.

Orchestra e Coro del Teatro La Fenice
direttore Corrado Rovaris
maestro del Coro Alfonso Caiani

regia Silvia Paoli
scene Andrea Belli
costumi Valeria Donata Bettella
light designer Fiammetta Baldiserri

Cast

Enrico, conte di Borgogna Teresa Iervolino
Pietro Christian Collia
Elisa Giuseppina Bridelli
Guido Dave Monaco
Gilberto Omar Montanari
Brunone Giuseppe Toia
Nicola Nicola Pamio
Geltrude Chiara Notarnicola

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An early work by Donizetti (and only recently revived), which clearly reveals the young composer’s inexperience in dealing with a libretto that perhaps was intended to be serious but also displays a playful side. One of the characters even seems to echo Leporello. In fact, the opera is full of references: first and foremost to Rossini, with two unmistakably Rossinian crescendos in the overture and the first act, as well as the “cheti cheti” passage at the beginning of the second act; there are also nods to Mayr, to Baroque theater with a male protagonist sung by a soprano, and more. At the same time, one can already detect musical traits that would later become characteristic of Donizetti’s mature operas. In short, it is something of an “artist’s apprenticeship piece,” one that at times possesses a freshness well suited to the directorial approach adopted here. What was perhaps intended by its creators as a serious drama is transformed here into a kind of opera buffa, also through the by-now overused device of “theater within the theater.” All the characters behave as parodies of dramatic theater, both in their gestures and expressions. The production choice is to expose the backstage of the little theater as well, featuring a director frantically trying to impose his vision on the singers, while the singers themselves quarrel, prepare for their entrances, and, in one case, engage in a flirtation. However, this conceit quickly begins to wear thin, resulting in a repetitiveness that ultimately becomes tiresome, even if it is, of course, greatly appreciated by a not overly discerning audience. The vocal performances were not uniformly strong. While Dave Monaco delivered an excellent performance as Guido (the opera’s villain), and Omar Montanari was equally convincing as Gilberto (the work’s “Leporello” figure), Teresa Iervolino’s Enrico was less successful, falling short in some of the principal arias. The same can be said of Giuseppina Bridelli as Elisa. All the other cast members displayed solid professionalism, with the exception of Christian Collia as Pietro, whose vocal performance never quite reached an acceptable standard.Conductor Corrado Rovaris led the performance effectively, although he can be faulted for adopting tempos that were at times excessively brisk, putting the singers under considerable strain. Overall, this is a serious opera turned comic, deserving no more than a modest passing grade. Unsurprisingly, it was a success with the audience.

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Jaeden Izik-Dzurko – Bologna Pianofortissimo 18 Giugno 2026

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Finalmente…

..un giovane che propone un concerto di altissima qualità. Izik-Dzurko, reduce dalla vincita del Leeds 2024 (nel quale ha eseguito il secondo concerto di Brahms, uno dei brani solistici iù difficili del repertorio) ha dato prova delle sue capacità tecniche e interpretative in una esibizione che ha raccolto un meritato successo. Izik-Dzurko non cede alle lusinghe della sua tecnica eccellente ma domina sempre il brano eseguito dal punto di vista interpretativo. Se ne ha avuta una prova convincente ad esempio nell’esecuzione della fantasia schumanniana (un brano in un certo senso anomalo del compositore di Zwickau all’interno della sequenza di brani composti di piccole miniature) che nella sua forma quasi sonatistica (in tre tempi – seppure ben lontana dagli schemi classici) richiede maturazione e sensibilità. Izik-Dzurko ha l’intelligenza di fare “respirare” i brani eseguiti non rifuggendo anche da rallentati e pianissimi (talvolta un po’ eccessivi come nel finale del corale del brano di Franck – un’anomalia poco comprensibile ma perdonabile). Certamente dal concerto sono mancati alcuni dei grandi nomi della composizione: Chopin, Beethoven e Brahms) e per questo speriamo di poterlo riascoltare quanto prima. Sensibilità post-romantica in Skryabin e Rachmaninoff e una grande capacità di dominare una composizione dai toni organistici, come nel caso di Franck, riesumando una composizione che ha avuto un grande succcsso negli anni passati ma che è stata piuttosto colpevolmente dimenticata recentemente (a differenza di altre composizioni del compositore belga come la sonata per violino e pianoforte). L’intelligenza pianistica di Izik-Dzurko si è manifestata anche nei due bis concessi, due composizioni virtuosistiche di stile jazzistico, eseguite con maestria, entusiasmo e umorismo, realizzando quella unione fra passato e presente molte volte inseguita e difficilmente ottenuta. Un bel concerto, insomma!

Programma

Aleksandr Skrjabin Preludi op.11 (selezio

Robert Schumann Fantasia in do maggiore op.17

Sergej Rachmaninov Preludi op.23 (selezione)

César Franck Prélude, choral et fugue in si minore

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Eventually a young pianist who offered a concert of truly outstanding quality. Izik‑Dzurko, fresh from his victory at the 2024 Leeds Competition (where he performed Brahms’s Second Concerto, one of the most difficult works in the solo repertoire), demonstrated both his technical and interpretative abilities in a performance that earned well‑deserved acclaim.Izik‑Dzurko does not yield to the temptations of his excellent technique; he always maintains interpretative control over the works he performs. This was convincingly evident, for instance, in his execution of Schumann’s Fantasia—a somewhat anomalous piece within the composer’s sequence of miniature‑like works—which, in its almost sonata‑like form (in three movements, though far from the classical models), demands maturity and sensitivity.Izik‑Dzurko has the intelligence to let the music “breathe”, not shying away from” ritardandos” and “pianissimos” (at times a bit excessive, as in the ending of the chorale in the Franck piece—an unusual choice, not entirely understandable but forgivable). The program certainly lacked some of the great names of the repertoire—for instance Chopin, Beethoven, and Brahms—and for this reason we hope to listen him again soon.Post‑Romantic sensitivity in Skryabin and Rachmaninoff, and a remarkable ability to command a composition with organ‑like sonorities, as in the case of Franck, bringing back to life a work that enjoyed great success in the past but has been rather unjustly neglected in recent years (unlike other pieces by the Belgian composer, such as the violin sonata). Izik‑Dzurko’s pianistic intelligence also emerged in the two encores: two virtuosic, jazz‑inflected pieces performed with mastery, enthusiasm, and humor, achieving that union between past and present so often sought and so rarely attained.A truly fine concert, in short.

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Napoli Milionaria – Bologna comunale “nouveau” 16 Giugno 2026

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L’opera, su libretto rimaneggiato da Eduardo, fu un clamoroso “flop” al Festival dei due modni del 1977. E a ragione. Poi non si resiste alla tentazione di riproporre opere scadenti per il solo fatto che sono protagonisti due autori importanti della cultura italiana Eduardo de Flippo e Nino Rota. Ma quandoque bonus dormitat Homerus. Niente a che vedere con il filo conduttore dell’opera teatrale. Qui abbiamo amori trasgressivi, richiami a Puccini e finale da Grand Guignol in cui ci scappa il morto.

E’ del tutto inutile infierire su un libretto che non sembra neppure scritto dal grande Eduardo che vorrebbe ricalcare i clichès del melodramma classico generando un pot pourri senza capo né coda. Lo iato fra un primo atto totalmente satirico) e il resto melodrammatico del resto del libretto è semplicemente fastidioso. E con tutta franchezza anche la musia di Rota non riesce mai a decollare nonostante i vari richiami alle melodie famose napoletante. L’opera semplicemente merita un meritato eterno riposo.

In tutto questo è difficile giudicare le singole perfomances. Sicuramente di buon livello quelle di Amalia (Laura Stella) e di Errico “settebellezze” (Kazuki Yoshida) un nome che ricorda un famoso filme di Lina Wertmüller. Ma il finale dell’oper con la trenodia di Amalaia non sta in piedi. Buon livello di direttore e orchestra. Sed de hoc satis.

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Maestro concertatore e Direttore James Feddeck

Regia Marcelo Lombardero

Nuovo allestimento del Teatro Comunale di Bologna

Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna

Maestro del Coro Giovanni Farina

SCENE Diego Siliano

COSTUMI Luciana Gutman

LUCI Marcelo Lombardero

Cast

ERRICO “SETTEBELLIZZE” Kazuki Yoshida

PEPPE O’CRICCO Giulio Iermini

FEDERICO | JOHNNY Michele Patti

RICCARDO SPASIANO Luca Park

O MIEZZO PREVETE Michele Giaquinto

PASCALINO “O PITTORE” Xin Zhang

GENNARO JOVINE Bruno Taddia

AMALIA Laura Stella

MARIA ROSARIA Claudia Ceraulo

AMEDEO Raffaele Feo

IL BRIGADIERE CIAPPA Yuri Guerra

ADELAIDE SCHIANO Benedetta Mazzetto

ASSUNTA Eleonora Filipponi

DONNA VINCENZA Rosa Guarracino

DONNA PEPPENELA Lucia Michelazzo

UNA VOCE/UNA DONNA DEL POPOLO Fanny Eszter Fogel

UNA GUARDIA/UNO SOLO Davide Minoliti

UNA VOCE/IL CAPO PALAZZO Pasquale Conticelli

IL MARESCIALLO Gianluca Monti

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(Giovanni Neri – 80)

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The opera, with a libretto reworked by Eduardo, was a resounding flop at the 1977 Festival dei Due Mondi. And rightly so. Yet one never seems able to resist the temptation to revive mediocre works simply because they bear the names of two major figures of Italian culture, Eduardo De Filippo and Nino Rota. But quandoque bonus dormitat Homerus. This has nothing to do with the original stage play. Here we get transgressive love affairs, Puccinian echoes, and a Grand Guignol finale complete with a corpse. There is no point in dwelling on a libretto that hardly seems written by the great Eduardo at all, attempting to imitate the clichés of classical melodrama and producing instead a shapeless pot-pourri. The gap between a first act that is entirely satirical and the melodramatic tone of the rest is simply irritating. And, frankly, even Rota’s music never manages to take off, despite various nods to famous Neapolitan melodies. The opera simply deserves a well‑earned eternal rest. In all this, it becomes difficult to judge the individual performances. Certainly of good quality are Amalia (Laura Stella) and Errico “Settebellezze” (Kazuki Yoshida), a name that recalls Lina Wertmüller’s famous film. But the opera’s ending, with Amalia’s threnody, simply does not hold together. The conductor and orchestra are on a solid level. Sed de hoc satis.

PS. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background

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Quartetto Doré – Bologna Festival Talenti 15 Giugno 2026

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Un concerto difficile da recensire

Il quartetto

Programma

- Wolfgang Amadeus Mozart Quartetto n.14 in sol maggiore KV 387
- Osvaldo Golijov Tenebrae (versione per quartetto d’archi)
- Ludwig van Beethoven Quartetto per archi in mi minore op.59 n.2 “Razumovskij”

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(Giovanni Neri 80)

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A concert of

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Sofia Donato – Bologna Pianofortissimo 9 Giugno 2026

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Un concerto luci e ombre.

Un’esecuzione impeccabile della partita bachiana sia da un punto di vista tecnico che interpretativo Donato non usa il pedale di risonanza (approccio correttissimo) ma non evita le sfumature esprimendo quindi il meglio del brano rimanendo però sempre assolutamente in stile. E’ questa la modalità – a mio parere – con la quale si deve affrontare un brano bachiano (forse non dei più belli). Discorso del tutto diverso per la fantasia di Chopin. Donato ha una grande capacità di “cantare” ovvero di utilizzare un tocco levigato e un’espressività di prim’ordine. Ma.. purtroppo ecco che un eccesso di esuberanza la porta a eccedere di velocità nelle parti più accelerate con la conseguenza che si evidenziano alcune imperfezioni tecniche ma soprattutto si perde il tessuto musicale del brano in un profluvio di note affastellate e confuse. Un vero peccato perché un po’ più di controllo (la giovane età non aiuta, é vero) e quindi di maturità interpretativa avrebbe migliorato di molto l’esecuzione del brano. Nella seconda parte l’Humoreske di Schumann, brano invero poco frequentato (come è il caso delle Novellette senza un vero motivo appartenendo tutte allo stesso ambito musicale del compositore di Zwickau). Qui l’atteggiamento è risultato un po’ più maturo anche nei capitoli più virtuosistici ottenendo un risultato di buona qualità. Donato è una giovane pianista molto dotata che promette molto se verrà a compimento il necessario processo di maturazione. Speriamo di risentirla presto anche in brani interpretativi più impegnativi (ad esempio l’ultimo Brahms). Due bis e un buon successo di pubblico.

Programma

Johann Sebastian Bach Partita n.3 in la minore BWV 827
Fryderyk Chopin Fantasia in fa minore op.49
Robert Schumann Humoreske in si bemolle maggiore op.20

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A concert of light and shadow. An impeccable performance of the Bach’s Partita, both technically and interpretatively. Donato does not use the sustaining pedal (a perfectly correct approach), yet she does not renounce nuance, thus bringing out the best in the piece while remaining absolutely within stylistic boundaries. This is—at least in my view—the way a Bach work should be approached (even if this is perhaps not one of the most beautiful). A completely different case for Chopin’s Fantaisie. Donato has a remarkable ability to “sing,” that is, to use a polished touch and first‑rate expressiveness. But… unfortunately, an excess of exuberance leads her to push the tempo too far in the more accelerated sections, with the result that certain technical imperfections become evident and, above all, the musical texure dissolves into a torrent of crowded, confused notes. A real pity, because a bit more control (her young age, admittedly, does not help) and thus greater interpretative maturity would have greatly improved the performance. In the second half, Schumann’s Humoreske—a piece seldom performed (as is the case with the Novellette, without any real reason, since they all belong to the same expressive world of the Zwickau composer). Here her approach appeared somewhat more mature, even in the more virtuosic sections, yielding a result of good quality.Donato is a very gifted young pianist who promises a lot, provided the necessary process of maturation comes to fruition. Let us hope to hear her again soon, also in more demanding interpretative repertoire (for instance, the last pieces of Brahms). Two encores and a warm reception from the audience.

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Querele – 9 Giugno 2026

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Foron/Ax – Bologna Comunale 25 Maggio 2026

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Emmanuel Ax …

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Sophia Liu – Bologna Grandi Interpreti 20 Maggio 2026

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Un programma senza,

significato particolare logico al grido di “di tutto un po’ ” terminato da quel brano di gusto orribile, virtuosistico ma musicalmente inaccettabile che è Islamey. Se esistesse un “indice” dei brani musicali da proibire Islamey – a mio parere – dovrebbe essere in cima alla lista. Per dimostrare le proprie capacità tecniche esistono molti altri brani in grado di svolgere il compito senza abdicare alla musicalità. Ne cito solo alcuni: “Petruska” di Stravinskji, “Gaspard de la nuit” di Ravel e anche la toccata finale di “Le tombeau de Couperin” ancora di Ravel. Ma sono solo tre esempi. Un concerto “double face” . La prima parte dedicata interamente a Chopin. Liu ha una tecnica ineccepibile ma dimostra anche una sensibilità musicale di prim’ordine. Le mazurche, per fare un esempio, sono schizzi musicali nei quali l’equilibrio interpretativo è la chiave della qualità. Liu ha saputo trarre il loro lo spirito utilizzando tutti gli strumenti interpretativi (piano, forte, rubato, accelerando etc.) ma sempre rimanendo nello stile del compositore polacco. Altrettanto si può dire per il singolo (..) notturno. Meno brillante l’esecuzione dello scherzo dove non sono mancati “scivoloni” virtuosistici così come nel finale della prima ballata, ridotto a uno studio di Clementi. Ma ci sta: è una giovanissima con una mano felicissima che ovviamente talvolta ha il sopravvento sullo spirito interpretativo. Quanto alla scelta di 5 brani di Čajkovskij non se ne capisce tanto il significato. Sono brani giustamente poco eseguiti per i quali Liu ha sfoggiato le sue tecniche esecutive e una buona aderenza al loro spirito musicale ma certamente non hanno permesso una valutazione globale del pianismo di Liu che a questo fine dovrà affrontare molti altri classici e anche compositori moderni. Insomma una felicissima promessa che si spera porti a compimento un processo di maturazione al momento solo iniziato. Ottimo successo di pubblico. Due bis: una rivisitazione in chiave virtuosistica di “La valse” e il celebre Waltz di Chopin.

Programma

Fryderyk Chopin Notturno in si maggiore op.9 n.3, Quattro Mazurche op.22, Ballata n.1 in sol minore op.23, Scherzo n.4 in mi maggiore op.54
Pëtr Il’ič Čajkovskij Dumka in do minore op.59, Le quattro stagioni op.37a (selezione)

III. Marzo: Il canto dell’allodola / VI. Giugno: Barcarola / VII. Luglio: La canzone del mietitore / VIII. Agosto: Il raccolto / IX. Settembre: La caccia / XI. Novembre: Troika / XII. Dicembre: Natale
Milij Balakirev Islamey: una fantasia orientale op.18

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A program without any particular logical meaning, built on the principle of “a bit of everything,” and ending with that piece of appalling taste — virtuosic but musically unacceptable — which is Islamey. If there were an “index” of musical works to be banned, Islamey — in my opinion — should be at the very top of the list. There are plenty of other pieces capable of showcasing one’s technical abilities without abandoning musicality. I’ll mention just a few: Stravinsky’s Petrushka, Ravel’s Gaspard de la nuit, and even the final Toccata from Ravel’s Le tombeau de Couperin. But these are only three examples. A “double‑faced” concert. The first half was devoted entirely to Chopin. Liu has impeccable technique but also displays first‑rate musical sensitivity. The mazurkas, for instance, are musical sketches in which interpretive balance is the key to quality. Liu managed to capture their spirit, using every interpretive tool (piano, forte, rubato, accelerando, etc.) while always remaining within the stylistic boundaries of the Polish composer. The same can be said of the single nocturne. Less convincing was the performance of the scherzo, where some virtuosic “slips” appeared, as well as in the ending of the First Ballade, reduced to a Clementi étude. But that’s understandable: she is very young, with a wonderfully gifted hand that sometimes inevitably takes precedence over the interpretive spirit.As for the choice of five pieces by Tchaikovsky, their meaning is hard to grasp. They are works that are rarely performed — and rightly so — in which Liu displayed her technical skills and a good adherence to their musical character, but they certainly did not allow for a comprehensive assessment of her pianism. To achieve that, she will need to tackle many other classics as well as modern composers. In short, a wonderfully promising artist, and one hopes she will eventually complete a process of maturation that is, for now, only at its beginning. Excellent audience success. Two encores: a virtuosic reworking of La valse and Chopin’s famous Waltz.

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Orchestra Mozarteum Salzburg/Piovano – Bologna Musica Insieme 18 Maggio 2026

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Un concerto molto godibile …

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Sollima Fresu Campaner – Bologna Musica Insieme 11 Maggio 2026

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Non so come definire,

questa “performance” che differisce di molto dal classico “concerto”. Qui abbiamo luci variabili, fumi che si sprigionano dietro gli esecutori, ampio uso di amplificazioni elettriche (in particolare per le trombe), strumenti variabili (trombe diverse per Fresu, viola da gamba e un violoncello – colorato in tricolore – costruito dai rottami di un naufragio di migranti per Sollima, un pianoforte a coda operato anche direttamente sulle corde etc.). Non trovo performance similari nella mia memoria e l’unico accostamento è quello dei “Sons e Lumières” nei siti storici o quello del “Tattoo” al festival di Edimburgo. Non ho quindi gli strumenti culturali per valutare il tutto. Posso solo dire che non mi è piaciuto ma che però mi sono divertito (almeno fino a metà poi ha preso il sopravvento la ripetitività.). Sollima si è rivelato quel virtuoso che ben conosciamo (e ha caricato sulle sue spalle buona parte della performance). Meno in evidenza Fresu (perché suona sempre inchinato verso il basso?) mentre Campaner è intervenuta solo nell’ultima pate della performance eseguendo fra l’altro una riedizione di un celebre brano di Astor Piazzolla. Naturalmente successo di pubblico: ci si poteva aspettare qualcosa di diverso?

PS A differenza delle altre recensioni non inserisco le faccine di valutazione perché non saprei come utilizzarle.

Programma

Musica Varia…

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Stefanelli Pantani – Bologna Conoscere la musica 29 Aprile 2026

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Diciamo subito,

che questo è un concerto che si eleva al di sopra della media di Conoscere la Musica. Interessante e di qualità sia per gli interpreti che per il programma bilanciato fra musicisti “classici” e “moderni”, ammesso che questa distinzione abbia un senso. Il voloncellista Stefanelli è un giovane che – a parere di chi scrive – farà molta strada. Tecnica assolutamente sicura anche nei passaggi più impegnativi (i.e. Poulenc) intonazione sempre perfetta (non ho rilevato una sola “sbavatura”) grande volume di suono, vibrato di qualità. E anche dal punto di vista interpretativo la sua esecuzione ha saputo mettere in risalto lo spirito delle partiture eseguite, sempre nell’alveo dello stile, senza indulgere in eccessi che purtroppo molto spesso infestano i giovani esecutori per impressionare il pubblico. Un discorso diverso per il pianista Pantani. Il suo pianismo è caratterizzato da un eccesso di esuberanza (si pensi solo all’otta all’inizo del trio del secondo tempo della sonata di Brahms) che spesso diventa aggressività nei confronti dello strumento. Pantani ha dimenticato che sonava in duo con uno strumento ad arco e per fortuna che quest’ultimo ha saputo estrarre dallo strumento una sufficiente sonorità. Ma suonare in duo signifca che quello che è un ff in una esecuzione solistica deve essere interpetato come un mff in duo. Se poi si considera che erroneamente il coperchio del pianoforte è rimasto aperto è facile intuire il risultato. Difficile quindi valutare la sua esecuzione: forse dovrebbe acquisire consapevolezza di cosa esegue e quale ne sia il contesto. Comunque un buon successo di un non folto pubblico e due bis.

Programma

N. Boulanger (1887 -1979) 3 pezzi per violoncello e pianoforte
Modéré
Sans vitesse et a l’aise
Vite et nerveusement rythmé
J. Brahms (1833 – 1897) Sonata per violoncello e pianoforte op.38 in mi minore
Allegro non troppo –
Allegretto quasi Menuetto. Trio – Allegro
F. Poulenc (1899 – 1963) Sonata per violoncello e pianoforte FP. 143
Allegro. tempo di Marcia –
Cavatine – Ballabile –
FinaleMarchigiana,

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Let us say straight away that this is a concert that rises above the usual standard of Conoscere la Musica. It was interesting and of high quality, both for the performers and for a programme balanced between “classical” and “modern” composers—assuming that such a distinction still makes sense. Cellist Stefanelli is a young musician who, in the opinion of the present writer, will go far. His technique is absolutely secure even in the most demanding passages (e.g. Poulenc), his intonation consistently flawless (I did not detect a single lapse), his sound powerful, and his vibrato excellent. From an interpretative standpoint as well, his performance brought out the spirit of the works, always within the stylistic framework and without indulging in the excesses that too often plague young performers eager to impress an audience. A different discussion applies to pianist Pantani. His pianism is marked by an excess of exuberance (one need only think of the octave at the beginning of the trio in the second movement of the Brahms sonata), which often turns into sheer aggressiveness toward the instrument. Pantani seemed to forget that he was playing in a duo with a string instrument—and it is fortunate that the latter was able to draw enough sound from his instrument. But playing in a duo means that what would be an ff in a solo performance must be treated as an mff in chamber music. If we add the fact that the piano lid was mistakenly left fully open, the result is easy to imagine. It is therefore difficult to assess his performance: he may need to develop a clearer awareness of what he is playing and of the context in which he is playing it. In any case, the concert was met with a warm reception from a not particularly large audience, and the performers offered two encores.

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Nunc est bibendum… – 26 Aprile 2026

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.. nunc pede libero pulsanda tellus. La squallida vicenda della Venezi finalmente si è conclusa come doveva concludersi. La signora ha dimostrato di avere una materia grigia molto ridotta, ringalluzzita da sostegni di carattere politico che nulla hanno a che vedere con la cultura. Forse potrà crescere: non si nega questa possibilità a nessuno ma in teatri meno prestigiosi della Fenice e se saprà dimostrare di avere acquisito competenza e buon senso (seppure le premesse non sono positive) nulla vieta che in un domani possa aspirare alla Fenice. Ma per merito e non catapultata da decisioni verticistiche che non fanno onore al teatro. Si può solo sperare che il sovrintendete Colabianchi abbia imparato la lezione e agisca avendo come punto di riferimento il prestigio del teatro e non gli interessi di bottega. Amen.

**PS Sono costretto ancora una volta a segnalare che commenti “anonimi” e non inviati ai “commenti” dei posts sono immediatamente cassati**

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Roberto Devereux – Bologna Comunale “nouveau” 22 Aprile 2026

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Come sempre, sarebbe ingeneroso segnalare che quanto presente nel libretto di Cammarano poco ha a che vedere con la realtà storica. Ovviamente Elisabetta non abdicò mai e tampoco per una questione amorosa. Morì nel suo letto e la successione passò a James VI di Scozia (figlio della cugina in secondo grado Mary Stuart giustiziata per tradimento) che prese il nome di James I di Inghilterra. Roberto Devereux conte di Essex (che aveva poco più di trent’anni rispetto a Elisabetta) dopo esserne stato il “favorito” fu giustiziato per avere fomentato una rivolta antimonarchica, di fatto l’unica che subì Elisabetta I nei 44 anni del suo regno. Ma tant’è: un’opera non si giudica certo dalla sua aderenza alla realtà storica (si pensi ad esempio al Don Carlos di Verdi). L’opera nella sua realizzazione bolognese potrebbe essere considerata una “provocazione” per una scenografia del tutto storico-tradizionale (se si pensa alle scenografie “creative” di pessimo gusto – non tutte ovviamente – che infestano i teatri d’opera, il cui alfiere è Damiano Mihieletto). Qui sono i colori cupi che costituiscono l'”imprinting” scenografico ravvivati talora da costumi sgargianti dei protagonisti. E certamente va segnalata la scelta felice di un giullare che si aggira sulla scena a partire dalla ouverture. Ma è tutta l’impostazione registica che sottolinea la tragedia dell’opera. E anche certe scelte piuttosto “ardite” (come quella di una Elisabetta dimessa dell’ultima scena) appaiono perfettamente significative.

La direzione di Renato Palumbo (giustamente applaudita) è stata di grande qualità ottenendo dall’orchestra del comunale il meglio che è in grado di offrire. Le sottolineature non hanno mai sovrastato le voci ma le hanno accompagnate (per non dire sollecitate) ad esprimere le loro qualità. Va detto che il miglioramento complessivo dell’orchestra è significativo e la porta a un livello di eccellenza che le permette di competere a testa alta con altre orchestre italiane (e non solo).

Un discorso più articolato vale per il cast. Purtroppo la sostituzione di Karen Gardeazabal nel solo di Elisabetta (forse se si annuncia la sostituzione si dovrebbe anche indicarne la ragione). ha tolto una parte dell’interesse anche se Ekaterina Bakanova non ha sfigurato. Voce forte e drammatica non è sempre felicissima negli acuti ma riesce a rappresentare pienamente tutta la drammaticità del personaggio. Nel cast la voce forse un po’ meno felice è quella di Francesco Demuro che alterna a belle emissioni altre un po’ più metalliche e che ha avuto qualche scivolamento di intonazione. Certamente la sua parte è impervia (si pensi all’ultimo anno e a tutti i “soli” in cui è impegnato) e quindi certamente raggiunge una valutazione complessivamente positiva. La voce che invece è risultata più felice è quella di Vladimir Stoyanov, un baritono perfettamente nella parte e al quale non può essere imputata alcuna pecca. Bravissimo. Una valutazione a parte per Raffaella Lupinacci in un ruolo minore che non ha sfigurato rispetto agli altri più importanti protagonisti. Buoni professionisti gli altri interpreti.

Roberto Devereux è stata certamente la rappresentazione più felicefin qui della stagione operistica premiata con un grande e meritato successo di pubblico.

PS Ero seduto di fianco a due ragazze di una ventina d’anni che per tutta la rappresentazione hanno compulsato i cellulari (fortunatamente in modalità a luminosità ridotta a differenza di un altro maleducato che tre posti più in là ha tenuto acceso in modo luminoso il cellulare nel primo atto. Poi se ne è andato… Ma le maschere che ci stanno a fare?). Ma la verifica non era seguente a una qualche segnalazione ma a una sorta di necessità impellente di verifica, una sorta di droga da tossicodipendenza informatica che mi ha veramente fatto capire come per certe persone il cellulare sia una fonte necessaria di vita. Cosa abbiano capito dell’opera non mi è chiaro ma mi è chiaro che siamo di fronte a una grave patologia.

PPS I miei posts mancano di quella introduzione storico musicale dell’opera che è normale prassi nelle recensioni. Mi pare inutile duplicare quanto si può reperire nelle recensioni giornalistiche: Kurvenal si occupa solo di quanto rappresentato tagliando tutti i presupposti.

Maestro concertatore e Direttore Renato Palumbo

Regia Alfonso Antoniozzi

Allestimento della Fondazione Teatro Carlo Felice di Genova
Orchestra, Coro e Tecnici del Teatro Comunale di Bologna

Maestro del Coro Giovanni Farina

Team creativo

REGIA RIPRESA DA Luisa Baldinetti

SCENE Monica Manganelli

COSTUMI Gianluca Falaschi

LUCI Paolo Liaci

COSTUMISTA COLLABORATORE Gian Maria Sposito

Cast

ELISABETTA Roberta Mantegna (sostituita con Ekaterina Bakanova)

SARA Raffaella Lupinacci

ROBERTO DEVEREUX Francesco Demuro

IL DUCA DI NOTTINGHAM Vladimir Stoyanov

LORD CECIL Pierluigi D’Aloia

SIR GUALTIERO Nicolò Donini

UN PAGGIO Tommaso Norelli

UN FAMILIARE DI NOTTINGHAM Giuseppe Nicodemo

ATTORI
Domenico Indiveri
Giacomo Gaetano Liva
Giordano Boschi
Lisa Manzini
Lucia Fontanelli

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As always, it would be unfair to point out that what appears in Cammarano’s libretto has very little to do with historical reality. Elizabeth, of course, never abdicated—least of all for a love affair. She died in her bed, and the succession passed to James VI of Scotland (son of her second cousine Mary Stuart, executed for treason), who became James I of England. Robert Devereux, Earl of Essex—more than thirty years younger than Elizabeth—after having been her “favorite” was executed for fomenting an anti‑monarchical revolt, in fact the only one Elizabeth I faced in her forty‑four‑year reign. But so be it: an opera is certainly not judged by its adherence to historical truth (one need only think of Verdi’s Don Carlos). The Bologna production could almost be considered a “provocation,” given its entirely traditional, historically minded staging—especially if one thinks of the “creative” and often tasteless sets (though not all, of course) that infest opera houses today, with Damiano Michieletto as their standard‑bearer. Here, dark colours provide the scenographic “imprint,” at times brightened by the protagonists’ flamboyant costumes. And the choice to introduce a jester wandering onstage from the overture onward is certainly a felicitous one. But it is the overall directorial approach that underscores the tragedy of the opera. Even certain rather “bold” choices—such as portraying a subdued, diminished Elizabeth in the final scene—prove entirely meaningful. Renato Palumbo’s conducting (rightly applauded) was of great quality, drawing from the Teatro Comunale orchestra the very best it has to offer. His nuances never overwhelmed the voices; rather, they supported them—one might even say encouraged them—to express their full potential. It must be said that the orchestra’s overall improvement is remarkable, raising it to a level of excellence that allows it to compete confidently with other Italian ensembles (and not only Italian ones). A more nuanced discussion is needed for the cast. Unfortunately, the replacement of Karen Gardeazabal in the role of Elizabeth (and perhaps, if one announces a replacement, one should also indicate the reason) diminished part of the interest, even though Ekaterina Bakanova did not disappoint. A strong, dramatic voice, not always at her happiest in the high register, but fully capable of conveying the character’s emotional intensity. In the cast, the least convincing voice was perhaps that of Francesco Demuro, who alternated beautiful phrases with others more metallic in timbre, and who had a few lapses in intonation. His role is certainly treacherous (consider the final act and all the solos he must tackle), so his overall performance remains decidedly positive. The most satisfying voice, however, was that of Vladimir Stoyanov, a baritone perfectly suited to the role and entirely without blemish. Excellent. A separate mention goes to Raffaella Lupinacci, who in a smaller role held her own perfectly well alongside the more prominent protagonists. The remaining cast members were solid professionals. Roberto Devereux was undoubtedly the most successful production of the operatic season so far, rewarded with a great and well‑deserved public triumph.

P.S. I was seated next to two girls in their twenties who spent the entire performance compulsively checking their phones (fortunately with the brightness turned down, unlike another rude spectator three seats away who kept his screen glaringly lit throughout the first act—then left… But what are the ushers there for?). And this wasn’t in response to any notification, but rather a kind of compulsive need to check—an almost addictive digital dependency that made me realize how, for some people, the smartphone has become a vital source of life. What they understood of the opera is unclear; what is clear is that we are facing a serious pathology.

P.P.S. My posts lack the usual historical‑musical introduction to the opera that is standard practice in reviews. It seems pointless to duplicate what can easily be found in newspaper articles: Kurvenal deals only with what is staged, cutting away all the background

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Sinfonica

Shahan Placci Wheeler – Bologna Musica Insieme 20 Aprile 2026

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Sinfonica

Lohengrin – Venezia Fenice 12 Aprile 2026

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Sarebbe troppo facile etichettare la messa in scena come l’ennesima “michielettata”. Semplicemente non c’è un solo elemento che rapporti la scenografia all’opera. E non si tratta di vieto conservatorismo. Semplicemente sembra di trovarsi davanti a un rompicapo che non ha una soluzione definita e che induce gli spettatori a faticose quanto improbabili interpretazioni. Cosa c’entra la vasca da bagno iniziale con acqua che deborda e nella quale Elsa lava gli indumenti del fratello (vasca che, quale Moloch, si ripresenta nel finale dell’opera)? E che dire di un Lohengrin che arriva dal Monsalvat trascinando (avete capito bene trascinando) a fatica una bara che rappresenterebbe il cigno (forse andato in “panne”, perché alla fine dell’opera viene aperta con spargimento di piume mentre Lohengrin semplicemente scompare?). E perché Heinrich è claudicante? E che dire del povero Friederich von Telramund sconfitto nel duello con Lohengrin non da una spada ma da una melassa piovuta dal cielo e che poi si aggira sul palcoscenico con una canotta stile Bossi ad Arcore? Ma il top è rappresentato da un profluvio di uova che appaiono dal cielo mentre una è presente sul palcoscenico che coperta di vernice nera che progressivamente ricopre il proprio guscio di nero accecando con il colore la povera Elsa. In fondo più facilmente accettabile è il vestito nero anni ’50 di Ortrud completato da cappellino con veletta di ordinanza. Potrei continuare ma sarebbe inutile.

Qui la scenografia non è una parte dell’opera, se vogliamo la sua rappresentazione visiva. Qui semplicemente siamo in presenza di un’azione teatrale (chi non ricorda il terzo atto di Bohème?) avulsa del contesto musicale alla quale dovrebbe fare riferimento. Se la consideriamo come tale, come un’esperienza visiva allora se ne può discutere e in un certo senza avere un suo significato prescindendo però dal fatto che dovrebbe essere legata alla vicenda di Lohengrin. Purtroppo siamo alle solite: un regista che vuole impressionare un pubblico di bocca buona (che però non sembra abboccare nel caso particolare) secondo la regola vigente che è importante soltanto fare parlare di sé indipendentemente da quanto proposto. E sono curioso di leggere le recensioni di chi troverà sicuramente un significato recondito nella scenografia non avendo il coraggio di dire semplicemente che “il re è nudo”.

Peccato perché il lato musicale è invece di qualità a partire dal direttore capace di infondere ai fiati (e soprattutto agli ottoni) il tono e l’intensità necessaria. E anche gli archi giocando una parte importante non dimenticando il “solo” del violoncello all’inizio del secondo atto, semplicemente perfetto. Chi invece non è perfetto è purtroppo Lohengrin (Brian Jagde), che dopo un attacco disastroso del primo atto, non trova mai, mai, il registro giusto fiaccando il personaggio fino al pessimo finale, quello del racconto della sua origine. All’estremo opposto l’Ortrud di Chiara Magini, voce drammatica, potente, insinuante che rende perfettamente il personaggio malvagio e che viene giustamente applaudita dal pubblico alla fine della rappresentazione. Non esaltante la Elsa di Dorothea Herbert che esibisce buone, non eccelse doti vocali ma che fallisce nel secondo atto sia quando si fa sedurre da Ortrud che quando estorce a Lohengrin il segreto della sua origine. Quanto a Claudio Otelli come Friedrich von Telramund gli va perdonata una prestazione non eccezionale a causa di una scellerata regia, ma non sembra comunque eccellere sia come voce che come presenza scenica. Le altre voci nell’ambito di una buona, non eccelsa, professionalità.

Un buon successo di pubblico che però sembrava più composto da turisti alla ricerca di una esperienza alla Fenice che da intenditori. Una sola contestazione del sovrintendente dai palchi, nessun lancio di foglietti e quindi una serata senza scosse. Se si eccettua invece all’esterno del teatro, prima dell’inizio dell’opera, una vibrante contestazione del sovrintendente. In materia suggerisco di leggere l’elzeviro di Mephisto sul Sol 24 ore di domenica 12 Aprile. L’opera è stata trasmessa in diretta anche da Radio 3 e credo che siano stati più fortunati gli ascoltatori degli spettatori della Fenice .

Cast

Heinrich der Vogler Anthony Robin Schneider
Lohengrin Brian Jagde
Elsa von Brabant Dorothea Herbert
Friedrich von Telramund Claudio Otelli
Ortrud Chiara Mogini
Der Heerrufer des Königs Äneas Humm
Vier brabantische Edle Orlando Polidoro, Nicola Pamio, Paolo Gatti, Arturo Espinosa
Vier Edelknaben Elisa Savino, Lucia Raicevich, Claudia De Pian, Mariateresa Bonera
Herzog Gottfried Pietro Ceccato, Leo Mannise

Conductor Markus Stenz
Director Damiano Michieletto
Dramaturg Mattia Palma
Set designer Paolo Fantin
Costum designer Carla Teti
Lighting designer Alessandro Carletti

La Fenice Orchestra & Choir Chorus Master Alfonso Caiani

Hungarian National Male Choir
Chorus Master Richárd Riederauer

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It would be far too easy to label the staging as yet another “Michieletto‑style production.” Quite simply, there is not a single element that connects the set design to the opera itself. And this is not a matter of stale conservatism. It simply feels like being confronted with a puzzle that has no clear solution and forces the audience into laborious and improbable interpretations. What is the menaing of the initial bathtub — with water overflowing in which Elsa washes her brother’s clothes — that, like some sort of Moloch, reappears at the end of the opera? And what about a Lohengrin who arrives from Monsalvat dragging (yes, dragging) a coffin that is supposed to represent the swan (perhaps “broken down” since at the end of the opera it is opened and feathers spill out while Lohengrin simply disappears)? And why is Heinrich limping?And what can be said of poor Friedrich von Telramund, defeated in the duel with Lohengrin not by a sword but by some kind of syrup falling from the sky, after which he wanders around the stage wearing a tank top worthy of the italian Bossi? But the top is reached with a deluge of eggs descending from above, while another egg sits onstage, covered in black paint that gradually coats black its shell, blinding poor Elsa with its color. In comparison, Ortrud’s 1950s black dress, complete with the obligatory veiled hat, is almost easy to accept.I could go on, but it would be pointless. Here the set design is not part of the opera — its visual representation, if you will. What we have instead is a theatrical action (who doesn’t remember the third act of La Bohème?) detached from the musical context it should be serving. If we consider it as such, as a purely visual experience, then one might discuss it, and in a certain sense it may even have its own meaning — though entirely unrelated to the story of Lohengrin. Unfortunately, it’s the same old tume: a director eager to impress an undiscerning audience (which, in this case, does not seem to have taken the bait), following the prevailing rule that the only thing that matters is generating buzz, regardless of what is actually being presented. And I am curious to read the reviews of those who will surely find some hidden meaning in the staging, lacking the courage to simply say that “the emperor has no clothes”. A pity, because the musical side was instead of high quality, starting with the conductor, capable of giving the winds (and especially the brass) the tone and intensity required. The strings also played an important role, not to mention the cello solo at the beginning of the second act — simply perfect.Who was not perfect, unfortunately, was Lohengrin (Brian Jagde), who after a disastrous opening in the first act never, ever finds the right register, weakening the character all the way to the dreadful final narration of his origins. At the opposite extreme was Chiara Magini’s Ortrud: a dramatic, powerful, insinuating voice that perfectly embodies the evil character and rightly earned enthusiastic applause at the end. Dorothea Herbert’s Elsa was less impressive: good but not exceptional vocal qualities, and she falters in the second act — both when she lets herself be seduced by Ortrud and when she forces Lohengrin to reveal the secret of his origins . As for Claudio Otelli as Friedrich von Telramund, one must forgive a less‑than‑stellar performance due to the disastrous direction, though he does not seem to excel either vocally or scenically. The other voices were solid, though not outstanding.A good public success, though the audience seemed composed more of tourists seeking a “Fenice experience” than true connoisseurs. Only one protest against the superintendent from the boxes, no leaflet‑throwing, and thus an uneventful evening. Except for the lively protest against the superintendent outside the theatre before the performance began. On that matter, I suggest reading Mephisto’s column in Il Sole 24 Ore from Sunday, April 12.The opera was also broadcasted live on Radio 3, and I believe the listeners were luckier than the audience at La Fenice.

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Un concerto godibile…

Wolfgang A. Mozart Quintetto K.452

Ludwig V. Beethoven Quintetto op. 16

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Aram Il’ič Khačaturjan Concerto per violino e orchestra in re minore

Dmitrij Dmitrievič Šostakovič Prima sinfonia in fa minore op. 1

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PS Anche in un pubblico rarefatto non sono mancati i soliti maleducati che durante l’esecuzione accendono il cellulare. Segnalo inoltre che nelle ultime file non si sente quanto pronunciato sul palcoscenico per motivi di acustica. E’ quindi necesario utilizzare un microfono.

F.J.Haydn Trio in do maggiore Hob XV 27

Martinu Trio n.1 “Cinq pièces breèves”

Beethoven Trio in dominore op.1 n.5

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La Kremerata Baltica,

PS L’unica cosa che leggermente mi disturba – spcialmente in questi tempi di personalismi esasperati- è il nome. Se il leader fosse il ciccione americano si chiamerebbe “Trumpata newyorkese”?

Programma

Biber Battaglia a 10 per archi

Mahler Quartetto il la minore (trascrizione per orchestra dell’autore)

Beethoven Quartetto op. 95 (trascrizione per orchestra di Mahler)

Autori balitici Tre pezzi dedicata a Kremer

Piazzolla Celos & Fuga y Misterio, Tres minutos con la realidad, Grand Tang

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“Exegi monumentum aere perennius”.

Programma

G Mahler 9a sinfnoni in re maggiore – re bemolle maggiore

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“Exegi monumentum aere perennius”..

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Molto raramente,

PS Anche in un pubblico rarefatto non sono mancati i soliti maleducati che durante l’esecuzione accendono il cellulare. Segnalo inoltre che nelle ultime file non si sente quanto pronunciato sul palcoscenico per motivi di acustica. E’ quindi necesario utilizzare un microfono.

Programma

S.Barber Sonata per violoncello e piano op.6

B.Britten Sonata per violoncello e piano op.65

D. Shostakovich Sonata per violoncello e piano op.40

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